Muere el cineasta Blake Edwards a los 88 años

El cineasta estadounidense Blake Edwards, director de películas como "La pantera rosa" o "10", murió hoy a los 88 años en Brentwood (California), según dijo su representante. Edwards es conocido por haber dirigido 'Desayuno con diamantes' o 'Días de vino y rosas', con Audrey Herpburn o Jack Lemmon respectivamente.

Director de cine, guionista, actor y productor estadounidense. Su verdadero nombre es William Blake McEdwards. Nació en Tulsa (Oklahoma) el 26 de julio de 1922. Gracias a su abuelo, realizador, y a su pad

rastro, director de producción en Hollywood, el joven Blake Edwards tuvo pronto acceso a los estudios de cine.

En 1942 interpretó su primer papel en la película Diez héroes de West Point, de Henry Hathaway. En los años siguientes trabajó como actor y guionista tanto para la radio como para la televisión. Su labor como realizador se inició con el largometraje Bring Your Smile Along (1955). Operación Pacífico (1959) le proporcionó su primer gran éxito.

Uno de los momentos cumbre de su carrera lo constituye la comedia romántica Desayuno con diamantes (1961, adaptación de una narración de Truman Capote), en la que sobresalía Audrey Hepburn en el papel de Holly Golightly. Edwards adquirió fama como especialista en sátiras mordaces. A continuación rodó la película La pantera rosa (1963), con Peter Sellers en el papel del torpe inspector Clousseau. A raíz de algunos fracasos profesionales, decidió vivir durante algún tiempo en el extranjero.

En 1975 y 1976 rodó El regreso de la pantera rosa y La pantera rosa ataca de nuevo. Algunas de sus otras películas, entre ellas Asesinato en Beverly Hills (1988) y Una cana al aire (1989), obtuvieron una acogida entusiasta tanto por parte del público como de la crítica, mientras que otras, como El hijo de la pantera rosa (1993), fueron denostadas. Su película Víctor o Victoria (1982) fue galardonada con el César a la mejor producción extranjera.

Blake Edwards, que logró celebridad también como pintor y escultor, estaba casado en segundas nupcias con la actriz británica Julie Andrews, que ha interpretado papeles protagonistas en algunos de sus largometrajes. Otras películas de su filmografía son: El guateque (1968), Dos hombres contra el Oeste (1971), 10, la mujer perfecta (1979), S. O. B. (1981), Micki y Maude (1984), Cita a ciegas (1987) y Una rubia muy dudosa (1991).

Filmography 2010

El 2010 en Imágenes.

Nominaciones Globos de Oro 2011

Hoy se han dado a conocer los nominados a los globos de oro 2011.

CINE

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA
"Cisne Negro (Black Swan)"
"The fighter"
"Origen"
"El discurso del rey"
"La red social"

MEJOR PELÍCULA COMEDIA O MUSICAL
"Alicia en el país de las maravillas"
"The Kids are all right"
"Red"
"The Tourist"
"Burlesque"

MEJOR DIRECTOR
Darren Aronofski "Cisne Negro (Black Swan)"
David Fincher "La red social"
Tom Hooper "El discurso del rey"
Christopher Nolan "Origen"
David O. Rusell "The fighter"

MEJOR ACTOR DRAMÁTICO
Jesse Eisenberg "La red social"
Colin Firth "El discurso del rey"
James Franco "127 horas"
Ryan Gosling "Blue valentine"
Mark Wahlberg "The fighter"

MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA
Halle Berry "Frankie y Alice"
Nicole Kidman "Rabbit Hole"
Jennifer Lawrence "Winter's Bone"
Natalie Portman "Cisne Negro (Black Swan)"
Michelle Williams "Blue valentine"

MEJOR ACTOR DE COMEDIA O MUSICAL
Johnny Depp "Alicia en el país de las maravillas"
Johnny Depp "The tourist"
Paul Giamatti "Barney's version"
Jake Gyllenhaal "Amor y otras drogas"
Kevin Spacey "Casino Jack"

MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA O MUSICAL
Annette Bening "The kids are all right"
Anne Hathaway "Amor y otras drogas"
Angelina Jolie "The tourist"
Julianne Moore "The kids are all right"
Emma Stone "Rumores y mentiras"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Christian Bale "The fighter"
Michael Douglas "Wall Street 2: el dinero nunca duerme"
Andrew Garfield "La red social"
Jeremy Renner "The town, ciudad de ladrones"
Geoffrey Rush "El discurso del rey"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Amy Adams "The fighter"
Helena Bonham Carter "El discurso del rey"
Mila Kunis "Cisne Negro (Black Swan)"
Melissa Leo "The fighter"
Jacki Weaver "Animal Kingdom"

MEJOR GUIÓN
"127 horas"
"The kids are all right"
"Origen"
"El discurso del rey"
"La red social"

MEJOR BANDA SONORA
"El discurso del rey"
"Alicia en el país de las maravillas"
"127 horas"
"Origen"
"La red social"

MEJOR CANCIÓN
"Bound to you" ("Burlesque")
"Coming home" ("Country strong")
"I se the light" ("Enredados (Tangled)")
"There's a place for us" ("Las Crónicas de Narnia: La travesía del Viajero del Alba")
"You haven't seen the last of me" ("Burlesque")

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
"Gru, mi villano favorito"
"Como entrenar a tu dragón"
"Enredados (Tangled)"
"Toy Story 3"
"The illusionist"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
"Biutiful" (México / España)
"El concierto" (Francia)
"I am love" (Italia)
"In a better world" (Dinamarca)
"The edge" (Rusia)

TV

Best Television Series Drama
BOARDWALK EMPIRE
DEXTER
THE GOOD WIFE
MAD MEN
THE WALKING DEAD

Best Television Series – Comedy/Musical
30 ROCK
THE BIG BANG THEORY
THE BIG C
GLEE
MODERN FAMILY
NURSE JACKIE

Best Television Series – Miniseries/Movie
CARLOS
THE PACIFIC
PILLARS OF THE EARTH
TEMPLE GRANDIN
YOU DON’T KNOW JACK

Best Performance by an Actress in a Television Series – Comedy/Musical
Toni Collette, UNITED STATES OF TARA
Edie Falco, NURSE JACKIE
Tina Fey, 30 ROCK
Laura Linney, THE BIG C
Lea Michele, GLEE

Best Performance by an Actor in a Television Series – Comedy/Musical
Alec Baldwin, 30 ROCK
Steve Carell, THE OFFICE
Thomas Jane, HUNG
Matthew Morrison, GLEE
Jim Parsons, THE BIG BANG THEORY

Best Performance by an Actress in a Television Series – Drama
Julianna Margulies, THE GOOD WIFE
Elizabeth Moss, MAD MEN
Piper Perabo COVERT AFFAIRS
Katey Sagal SONS OF ANARCHY
Kyra Sedgwick, THE CLOSER

Best Performance by an Actor in a Television Series – Drama
Steve Buscemi, BOARDWALK EMPIRE
Bryan Cranston, BREAKING BAD
Michael C. Hall, DEXTER
Jon Hamm, MAD MEN
Hugh Laurie, HOUSE

Best Performance by an Actor in a Supporting Role in a Series, Mini-Series or Motion Picture Made for Television
Scott Caan, HAWAII FIVE-0
Chris Colfer, GLEE
Chris Noth, THE GOOD WIFE
Eric Stonestreet, MODERN FAMILY
David Strathairn, TEMPLE GRANDIN

Best Performance by an Actress in a Supporting Role in a Series, Mini-Series or Motion Picture Made for Television
Hope Davis, THE SPECIAL RELATIONSHIP
Jane Lynch, GLEE
Kelly Macdonald, BOARDWALK EMPIRE
Julia Stiles, DEXTER
Sofia Vergara, MODERN FAMILY

Best Performance by an Actor in a Mini-Series or a Motion Picture Made for Television
Idris Elba, LUTHOR
Ian McSHane, THE PILLARS OF THE EARTH
Al Pacino, YOU DON’T KNOW JACK
Dennis Quaid, THE SPECIAL RELATIONSHIP
Edgar Ramirez, CARLOS

Best Performance by an Actress in a Mini-Series or a Motion Picture Made for Television
Hayley Atwell, PILLARS OF THE EARTH
Claire Danes, TEMPLE GRANDIN
Judi Dench, RETURN TO CRANFORD
Romola Garai, EMMA
Jennifer Love Hewitt, THE CLIENT LIST

La vida en un día

Contemos entre todos cómo es la vida en un día

Cada día, 6.700 millones de personas miran al mundo con diferentes ojos. Imaginemos si existiera un modo de recolectar esas diferentes perspectivas para unirlas en una única historia que cuente cómo es un día en el planeta Tierra.

Con esa idea en mente es que hoy anunciamos el proyecto denominado Life In A Day, o La Vida en un Día, un experimento cinematográfico histórico que busca lograr simplemente eso: documentar un día a través de los ojos de personas de todo el mundo.

El 24 de julio, nuestros usuarios tendrán 24 horas para capturar en cámara momentos de su vida en ese día. Pueden filmar cualquier cosa, desde un amanecer, un viaje al trabajo, el partido de fútbol del barrio, los primeros pasos de un bebé, la reacción ante la vista del ser amado e incluso una ceremonia de casamiento.

El galardonado Kevin Macdonald, ganador de un Oscar y director de filmes como “The Last King of Scotland”, “Touching the Void” y “One Day in September”, editará las mejores imágenes para convertirlas en un filme documental que será producido ejecutivamente por Ridley Scott, el director inglés de películas épicas como “Gladiator”, “Black Hawk Down”, “Thelma & Louise”, “Blade Runner” y “Robin Hood”.

El estreno oficial del documental será en el Sundance Film Festival 2011 y los usuarios cuyas imágenes sean incluidas aparecerán en los créditos como co-directores, mientras que 20 de ellos serán seleccionados para asistir al estreno.

¿Qué hay que hacer para formar parte de este experimento global?:

Visitar el canal de Life In A Day para conocer más sobre el proyecto. Asegurarse de leer todos los pasos que hay que seguir para participar y familiarizarse con las instrucciones para crear el/los video/s. También se puede echar un vistazo a los videos de muestra para sacar ideas.

El 24 de julio, simplemente hay que capturar imágenes de ese día en cámara.

Subir las imágenes al canal de Life In A Day en cualquier momento antes del 31 de julio.

Más allá de si las imágenes son finalmente incluidas o no en el documental, todos los videos seguirán estando en el canal de Life In A Day como una cápsula del tiempo que servirá para que generaciones venideras vean cómo era la vida el 24 de julio de 2010.

Participemos todos y seamos parte de la historia.

El Fantasma Y La Señora Muir

Uno de los subgéneros más prolíficos de la historia del cine dentro de las películas de terror es el que trata sobre casas encantadas. Los fantasmas siempre han sido un elemento muy recurrente para asustar al público: algo inexplicable y fuera de nuestro control produce desde el primer momento esa sensación de inseguridad y posterior ansiedad que tanto hemos experimentado en una sala de cine. Dentro de las casas encantadas, muchos autores han querido aportar su granito de arena y tratar este tema desde distintas perspectivas.
Uno de ellos fue Jack Clayton que, en 1961, estrenó The Innocents basado en la famosa novela de Henry James Otra Vuelta de Tuerca, dando un punto de vista más psicológico basado en la complejidad de sus planos. Mucho se debatió sobre si Alejandro Amenábar tomó demasiadas referencias de esta cinta para Los Otros (2001). Dos años después, en 1963, Robert Wise realizó una de las mejores películas dentro de este subgénero: The Haunting. Basada también en una novela, esta vez en The Haunting of Hill House de Shirley Jackson, es un claro ejemplo de cómo hacer sufrir al espectador sin llegar a mostrarle nada. Su sutileza va unida a una eficacia que despierta una ansiedad en el espectador propia de la que sufren los personajes.
Sin embargo la película que nos ocupa no se parece en nada a las anteriores. Aparte de ser muy anterior (1947), no se ceba en el sentido terrorífico que han concedido los fantasmas en inumerables ejemplos. La cinta está basada en un joven viuda que decide trasladarse de la ciudad de la que vive a un pueblecito cerca del mar, para despejarse del estrés de las metrópolis y encontrar una paz que aún no ha encontrado. El primer paso de la mudanza es encontrar la casa apropiada y, como suele ocurrir en este tipo de películas, la vivienda donde se desarrollará el resto de la historia es, a priori, perfecta.
En los primeros momentos de la mudanza, Mankiewicz opta por un ritmo muy rápido en el devenir de las situaciones. En los primeros veinte minutos ya ha tenido lugar la introducción y las primeras tomas de contacto con la casa. En ellas parece que el tono de la película será tenebroso, más cercano al género de terror. Podemos adivinar por esta rapidez en el desarrollo de los acontecimientos que algo va a ocurrir de un momento ha otro y va a cambiar el registro. Y efectivamente, sobre todo con la aparición del fantasma, nos damos cuenta de que así es. El director no quiere otra película en la que las apariciones del ente sean un motivo para asustar al público: él lo utiliza como un personaje más de la trama y después de varias escenas el espectador llega a acostumbrarse a su presencia y lo tomo con un ser humano más. A esto también ayuda la magnífica interpretación que realiza Rex Harrison del difunto capitán Daniel Gregg. En seguida se produce una conexión entre él y la protagonista, interpretada por Gene Tierney, que será el núcleo central de la película.
Un aspecto muy interesante de las películas clásicas de Hollywood, especialmente las que cuentan con un sólido guión como es el caso, es que desde la situación inicial hasta la conclusión ocurren un sinfín de situaciones que no las podríamos haber imaginado al principio. Con esta película ocurre algo similar. En las primeras escenas parece que estamos ante una película de terror, posteriormente se trata de un melodrama para acabar en un drama romántico en estado puro, todo ello aderezado con contínuos toques cómicos. Esta contínua combinación de géneros podría haber sido un auténtico caos si no hubieran estado coordinados bajo una experta batuta como la de Mankiewicz. El director de Eva al Desnudo sabe perfectamente qué quiere contar y sobre todo cómo quiere contarlo. No hay momentos que sobresalgan por encima de otros ni que decaigan o hagan perder el interés: el ritmo y la linealidad son de un clasicismo tan puro que seguro puede servir de ejemplo para estudiantes de realización y de guióin.
Si a todo ello le añadimos la magnífica banda sonora firmada por Bernard Herrmann, el resultado es una de las mejores películas que nos ha dado el cine dentro de ese subgénero tan prolífico como es el de las casas encantadas, aunque la cinta no hable realmente de ellas.

Peor Fin de Semana de la taquilla española.

El peor fin de semana en la historia de la taquilla española. Un total desastre de cifras totalmente ridículas que más de uno espera no volver a ver en mucho tiempo. El top10 apenas a logrado recaudar algo más de 2,47M€ y puede que el total del fin de semana no supere ni los 3,4-3,5M€, muy por debajo de los 3,9M€ del que era hasta ahora el peor fin de semana de la historia. Pese a la nulidad de grandes estrenos –además los dos fuertes han fracasado– nadie ha logrado aguantar con excesiva fuerza y lo que más se ha visto son descensos fuertes. Las cifras son ridículas y la presencia este miércoles de Twilight debería arreglar las cosas bastante. La cinta debería convencer a todo tipo de público ya que no hay oferta.

Marmaduke ha logrado repetir en lo más alto con unos tristes 505.000€ aún en sus buenos 325 cines. La cinta desciende un moderado 31% y con ello levantaría su total a los 1,55M€, una cifra muy competente para tratarse de un film que no ha funcionado excesivamente bien y que tenía el listón comercial muy bajo. Pese a lo que pueda afectarleEclipse, la cinta de Fox va camino de los 2M€ sin problema y con ello lograría el mejor resultado internacional del film junto con México.

Esta semana sólo llegaban dos estrenos y lo hacían de forma moderada, por su cuenta En pata de guerrallegaba a 240 cines, mientras que Scar 3D lo hacia en 220 cines con formato 3D. Las dos películas han terminado siendo importantes descalabros para este fin de semana. DeA Planeta era la responsable de la apuesta de terror pero pese a su energía (y como pasó con The Crazies) el resultado ha sido de sólo 245.000€, dejando un mal promedio de 1.113€ por cine. La ventaja en este caso es que el film aspiraba a poco –y seguramente ha costado poco– por lo que alcanzar los 600.000€ sería ya un importante qué. La presencia de Twilight podría “eclipsarla” de mala manera, pero a la vez podría ser un pequeño plus ya que la cinta de vampiros podría provocar un elevadísimo arrastre a las salas de cine, e incluso más de un colapso o deserción por parte de algunos sectores masculinos. De momento es difícil prever un buen boca a boca ya que los comentarios generales han sido muy negativos.

En pata de guerra termina peor, la cinta familiar sólo recauda 196.000€ en sus primeros tres días, dejando un duro promedio de 816€ por cine. La cinta no tiene opciones a llegar mucho más allá, ya que en dos semanas le llegará Shrek y esto la dejará fuera de la escasa cantidad de espectadores. El film podría estar ahora aspirando a los 550.000€. La ventaja de Aurum es el importante éxito que sí está teniendo con El retrato de Dorian Gray, con el que seguro que cubrirá algo de los gastos de la comedia familiar de Brendan Fraser. La cinta de terror light basada en el clásico de Oscar Wilde mantiene el tipo en cuarta posición con unos decentes 272.000€, un 43% menos que la pasada semana y ya se sitúa en los 1,89M€. Pese a la competencia desmedida de Crepúsculo, Dorian Gray tiene fuerza para alcanzar los 2,1M€.

La segunda semana de The blind side no ha terminado siendo tan buena como se podía esperar después de su más que decente estreno. Su sabor de film dramático con gancho femenino, especialmente en esta mala época del año parecía tener más atractivo. La cinta cae un 47% hasta los 286.000€ pero al menos logra superar el millón de euros, que ya es un dato decente para lo que podía soñar Warner.

El resto de veteranos de la cartelera, caen de forma más o menos aguda aunque con la lógica de estar ya muy agotados en la cartelera, por lo que la semana que viene deberían quedar ya bastante muertos. Prince of Persia cae un 37%, sigue en segunda posición con unos buenos 362.000€, que le lleva a un total de 8,66M€. Sexo en Nueva York 2 cae un 44% hasta los 216.000€, una cifra ya bastante escasa por sus aspiraciones y a sólo un mes de su estreno. Robin Hood mejora semana tras semana, ésta cae un 36% –la que menos en el top10– y ya sitúa sus datos en los 9,61M€ aunque ya con pocas opciones a superar los 10M€.

Cierran el top10 el drama de estreno La vida privada de Pippa Lee, que con 100 cines logra unos pobres 125.000€, que no alegran a casi nadie aunque sí son el mejor promedio de los estrenos del top10 de esta semana. La última canción cae un 50% hasta los 83.000€ y ya con un total de casi 1,43M€, que no está nada mal para esta película que empezó con unos flojos 430.000€, por lo que ya ha multiplicado por 3,32 veces su cifra inicial.

La única alegría reportada ha sido la del documental La última cima, que vuelve a tener el menor descenso con sólo una caída el 20%. La cinta se encuentra a sólo un paso de los 500.000€ y ya con más de 78.000 espectadores según indica su distribuidora, European Dream Factory.

Fuente: IMDB

Azur & Asmar

Michel Ocelot se dio a conocer mundialmente en 1998, cuando estrenó Kirikú Y La Bruja. Anteriormente sus trabajos se reducían a series de televisión, un medio mucho más propicio para la animación por su variedad de temáticas y sus menores costes de producción comparados con un largometraje. Con Kirikú ya podíamos adivinar que Ocelot no estaba interesado, ni influenciado, por los dos grandes centros mundiales de animación: Estados Unidos y Japón. Su técnica es mucho más tosca, más teatral (en el sentido de la frontalidad de los personajes y de los escenarios, casi procedente de un juego de plataformas al estilo Mario) pero se subordina a un detallismo artesanal, muy metódico y elaborado.
Ocelot ha declarado que le costó 6 años realizar la película que nos ocupa, Azur & Asmar. Al ver alguno de los numerosos detalles que pueblan la película podemos entender el porqué. Las imágenes están repletas de ornamentos, elementos decorativos, paisajes exóticos y todo ello con una predilección por el color que pocos autores son capaces de conseguir. Puesto que la mayoría de la historia se desarrolla en el norte de África, Ocelot lo utiliza para plasmar todas esas elaboradísimas decoraciones geométricas de una manera magistarla.
Antes he comentado que la técnica de la animación era algo tosca comparándola con la nipona o la norteamericana. Pese a estar realizada por ordenador, su estética es muy distinta a cualquier película de animación corriente. Las únicas influencias que se pueden observar, a nivel visual, son de obras anteriores del propio Ocelot como la ya nombrada Kirikú. Ese estilo tan particular es lo que atrae directamente al espectador y su historia es lo que le lleva a continuar sentado ante la pantalla.
Hay que aclarar que el argumento tampoco destaca por su elaboración. Es una referencia directa a los clásicos cuentos infantiles donde el héroe sueña con alcanzar una meta desde niño, aunque pueda parecer algo imposible, pero que con mucho esfuerzo y superando los numerosos obstáculos, al final lo consigue. Esta historia del protagonista que consigue triunfar ante las adversidades y que al final se queda con la chica no es para nada algo novedoso. La hemos visto de todas las formas y maneras posibles y creemos que no nos podrá sorprender otra historia más. Sin embargo el director francés aporta algunas novedades que, cuanto menos, resultan muy interesantes y atractivas dentro de la narración. Una de ellas es introducir un doble héroe: la historia no gira en torno a un protagonista único, el que en principio conseguirá a la chica cuando supere todos los obstáculos. Aquí la carrera se produce entre dos hermanos, los dos con idéntico objetivo aunque sólo uno de ellos puede ser el vencedor. Esto es algo que quizá al espectador le produzca cierta incertidumbre al no saber cuál de los dos será el vencedor. Sin embargo, tal y como se desarrolla la película, también es lógico pensar que ninguno de ellos perderá.
Otro punto interesante es la dualidad que puebla toda la película. Partiendo de los dos hermanos que quieren conseguir al Hada de Djinns e incluso el propio título de la película Azur & Asmar, se narran dos historias paralelas entre lo que le ocurre a cada uno, aunque centrándose sobre todo en la odisea de Azur, que en principio pueden partir de puntos distintos pero que poco a poco va acercando sus posturas y entrecruzando sus peripecias.
En esta dualidad entre los dos hermanos, uno rico y uno pobre, sus dos culturas, sus dos países, es donde está la verdadera intención de Ocelot con esta película. Temas como el racismo, la inmigración, la marginación o el materialismo de la sociedad son constantes durante el metraje, algunas tratadas con mayor profundidad que otras. Este tipo de recursos también los utilizaba en Kirikú, ambientado en una tribu africana y en un niño que cree poder acabar con la bruja para liberar a sus semejantes. Dentro de la simplicidad de la presentación, al menos en cuento al juego de planos o a la técnica de la animación, se esconden temas complejos y muy maduros que demuestran la gran libertad que da la animación a sus autores para conseguir contar cualquier tipo de historia, tanto real como ficticia.
Michel Ocelot lo sabe y ha sabido explotarlo no sólo en esta Azur & Asmar, sino también en sus obras anteriores.