CinefreníA

Muere el cineasta Blake Edwards a los 88 años

2010-12-17T13:51:00.001Z

El cineasta estadounidense Blake Edwards, director de películas como "La pantera rosa" o "10", murió hoy a los 88 años en Brentwood (California), según dijo su representante. Edwards es conocido por haber dirigido 'Desayuno con diamantes' o 'Días de vino y rosas', con Audrey Herpburn o Jack Lemmon respectivamente.

Director de cine, guionista, actor y productor estadounidense. Su verdadero nombre es William Blake McEdwards. Nació en Tulsa (Oklahoma) el 26 de julio de 1922. Gracias a su abuelo, realizador, y a su pad

rastro, director de producción en Hollywood, el joven Blake Edwards tuvo pronto acceso a los estudios de cine.

En 1942 interpretó su primer papel en la película Diez héroes de West Point, de Henry Hathaway. En los años siguientes trabajó como actor y guionista tanto para la radio como para la televisión. Su labor como realizador se inició con el largometraje Bring Your Smile Along (1955). Operación Pacífico (1959) le proporcionó su primer gran éxito.

Uno de los momentos cumbre de su carrera lo constituye la comedia romántica Desayuno con diamantes (1961, adaptación de una narración de Truman Capote), en la que sobresalía Audrey Hepburn en el papel de Holly Golightly. Edwards adquirió fama como especialista en sátiras mordaces. A continuación rodó la película La pantera rosa (1963), con Peter Sellers en el papel del torpe inspector Clousseau. A raíz de algunos fracasos profesionales, decidió vivir durante algún tiempo en el extranjero.

En 1975 y 1976 rodó El regreso de la pantera rosa y La pantera rosa ataca de nuevo. Algunas de sus otras películas, entre ellas Asesinato en Beverly Hills (1988) y Una cana al aire (1989), obtuvieron una acogida entusiasta tanto por parte del público como de la crítica, mientras que otras, como El hijo de la pantera rosa (1993), fueron denostadas. Su película Víctor o Victoria (1982) fue galardonada con el César a la mejor producción extranjera.

Blake Edwards, que logró celebridad también como pintor y escultor, estaba casado en segundas nupcias con la actriz británica Julie Andrews, que ha interpretado papeles protagonistas en algunos de sus largometrajes. Otras películas de su filmografía son: El guateque (1968), Dos hombres contra el Oeste (1971), 10, la mujer perfecta (1979), S. O. B. (1981), Micki y Maude (1984), Cita a ciegas (1987) y Una rubia muy dudosa (1991).

Filmography 2010

2010-12-15T04:23:00.001Z

El 2010 en Imágenes.

Nominaciones Globos de Oro 2011

2010-12-14T14:29:00.003Z

Hoy se han dado a conocer los nominados a los globos de oro 2011.

CINE

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA
"Cisne Negro (Black Swan)"
"The fighter"
"Origen"
"El discurso del rey"
"La red social"

MEJOR PELÍCULA COMEDIA O MUSICAL
"Alicia en el país de las maravillas"
"The Kids are all right"
"Red"
"The Tourist"
"Burlesque"

MEJOR DIRECTOR
Darren Aronofski "Cisne Negro (Black Swan)"
David Fincher "La red social"
Tom Hooper "El discurso del rey"
Christopher Nolan "Origen"
David O. Rusell "The fighter"

MEJOR ACTOR DRAMÁTICO
Jesse Eisenberg "La red social"
Colin Firth "El discurso del rey"
James Franco "127 horas"
Ryan Gosling "Blue valentine"
Mark Wahlberg "The fighter"

MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA
Halle Berry "Frankie y Alice"
Nicole Kidman "Rabbit Hole"
Jennifer Lawrence "Winter's Bone"
Natalie Portman "Cisne Negro (Black Swan)"
Michelle Williams "Blue valentine"

MEJOR ACTOR DE COMEDIA O MUSICAL
Johnny Depp "Alicia en el país de las maravillas"
Johnny Depp "The tourist"
Paul Giamatti "Barney's version"
Jake Gyllenhaal "Amor y otras drogas"
Kevin Spacey "Casino Jack"

MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA O MUSICAL
Annette Bening "The kids are all right"
Anne Hathaway "Amor y otras drogas"
Angelina Jolie "The tourist"
Julianne Moore "The kids are all right"
Emma Stone "Rumores y mentiras"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Christian Bale "The fighter"
Michael Douglas "Wall Street 2: el dinero nunca duerme"
Andrew Garfield "La red social"
Jeremy Renner "The town, ciudad de ladrones"
Geoffrey Rush "El discurso del rey"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Amy Adams "The fighter"
Helena Bonham Carter "El discurso del rey"
Mila Kunis "Cisne Negro (Black Swan)"
Melissa Leo "The fighter"
Jacki Weaver "Animal Kingdom"

MEJOR GUIÓN
"127 horas"
"The kids are all right"
"Origen"
"El discurso del rey"
"La red social"

MEJOR BANDA SONORA
"El discurso del rey"
"Alicia en el país de las maravillas"
"127 horas"
"Origen"
"La red social"

MEJOR CANCIÓN
"Bound to you" ("Burlesque")
"Coming home" ("Country strong")
"I se the light" ("Enredados (Tangled)")
"There's a place for us" ("Las Crónicas de Narnia: La travesía del Viajero del Alba")
"You haven't seen the last of me" ("Burlesque")

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
"Gru, mi villano favorito"
"Como entrenar a tu dragón"
"Enredados (Tangled)"
"Toy Story 3"
"The illusionist"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
"Biutiful" (México / España)
"El concierto" (Francia)
"I am love" (Italia)
"In a better world" (Dinamarca)
"The edge" (Rusia)

Best Television Series Drama
BOARDWALK EMPIRE
DEXTER
THE GOOD WIFE
MAD MEN
THE WALKING DEAD

Best Television Series – Comedy/Musical
30 ROCK
THE BIG BANG THEORY
THE BIG C
GLEE
MODERN FAMILY
NURSE JACKIE

Best Television Series – Miniseries/Movie
CARLOS
THE PACIFIC
PILLARS OF THE EARTH
TEMPLE GRANDIN
YOU DON’T KNOW JACK

Best Performance by an Actress in a Television Series – Comedy/Musical
Toni Collette, UNITED STATES OF TARA
Edie Falco, NURSE JACKIE
Tina Fey, 30 ROCK
Laura Linney, THE BIG C
Lea Michele, GLEE

Best Performance by an Actor in a Television Series – Comedy/Musical
Alec Baldwin, 30 ROCK
Steve Carell, THE OFFICE
Thomas Jane, HUNG
Matthew Morrison, GLEE
Jim Parsons, THE BIG BANG THEORY

Best Performance by an Actress in a Television Series – Drama
Julianna Margulies, THE GOOD WIFE
Elizabeth Moss, MAD MEN
Piper Perabo COVERT AFFAIRS
Katey Sagal SONS OF ANARCHY
Kyra Sedgwick, THE CLOSER

Best Performance by an Actor in a Television Series – Drama
Steve Buscemi, BOARDWALK EMPIRE
Bryan Cranston, BREAKING BAD
Michael C. Hall, DEXTER
Jon Hamm, MAD MEN
Hugh Laurie, HOUSE

Best Performance by an Actor in a Supporting Role in a Series, Mini-Series or Motion Picture Made for Television
Scott Caan, HAWAII FIVE-0
Chris Colfer, GLEE
Chris Noth, THE GOOD WIFE
Eric Stonestreet, MODERN FAMILY
David Strathairn, TEMPLE GRANDIN

Best Performance by an Actress in a Supporting Role in a Series, Mini-Series or Motion Picture Made for Television
Hope Davis, THE SPECIAL RELATIONSHIP
Jane Lynch, GLEE
Kelly Macdonald, BOARDWALK EMPIRE
Julia Stiles, DEXTER
Sofia Vergara, MODERN FAMILY

Best Performance by an Actor in a Mini-Series or a Motion Picture Made for Television
Idris Elba, LUTHOR
Ian McSHane, THE PILLARS OF THE EARTH
Al Pacino, YOU DON’T KNOW JACK
Dennis Quaid, THE SPECIAL RELATIONSHIP
Edgar Ramirez, CARLOS

Best Performance by an Actress in a Mini-Series or a Motion Picture Made for Television
Hayley Atwell, PILLARS OF THE EARTH
Claire Danes, TEMPLE GRANDIN
Judi Dench, RETURN TO CRANFORD
Romola Garai, EMMA
Jennifer Love Hewitt, THE CLIENT LIST

La vida en un día

2010-07-15T13:03:00.007Z

Contemos entre todos cómo es la vida en un día

Cada día, 6.700 millones de personas miran al mundo con diferentes ojos. Imaginemos si existiera un modo de recolectar esas diferentes perspectivas para unirlas en una única historia que cuente cómo es un día en el planeta Tierra.

Con esa idea en mente es que hoy anunciamos el proyecto denominado Life In A Day, o La Vida en un Día, un experimento cinematográfico histórico que busca lograr simplemente eso: documentar un día a través de los ojos de personas de todo el mundo.

El 24 de julio, nuestros usuarios tendrán 24 horas para capturar en cámara momentos de su vida en ese día. Pueden filmar cualquier cosa, desde un amanecer, un viaje al trabajo, el partido de fútbol del barrio, los primeros pasos de un bebé, la reacción ante la vista del ser amado e incluso una ceremonia de casamiento.

El galardonado Kevin Macdonald, ganador de un Oscar y director de filmes como “The Last King of Scotland”, “Touching the Void” y “One Day in September”, editará las mejores imágenes para convertirlas en un filme documental que será producido ejecutivamente por Ridley Scott, el director inglés de películas épicas como “Gladiator”, “Black Hawk Down”, “Thelma & Louise”, “Blade Runner” y “Robin Hood”.

El estreno oficial del documental será en el Sundance Film Festival 2011 y los usuarios cuyas imágenes sean incluidas aparecerán en los créditos como co-directores, mientras que 20 de ellos serán seleccionados para asistir al estreno.

¿Qué hay que hacer para formar parte de este experimento global?:

Visitar el canal de Life In A Day para conocer más sobre el proyecto. Asegurarse de leer todos los pasos que hay que seguir para participar y familiarizarse con las instrucciones para crear el/los video/s. También se puede echar un vistazo a los videos de muestra para sacar ideas.

El 24 de julio, simplemente hay que capturar imágenes de ese día en cámara.

Subir las imágenes al canal de Life In A Day en cualquier momento antes del 31 de julio.

Más allá de si las imágenes son finalmente incluidas o no en el documental, todos los videos seguirán estando en el canal de Life In A Day como una cápsula del tiempo que servirá para que generaciones venideras vean cómo era la vida el 24 de julio de 2010.

Participemos todos y seamos parte de la historia.

El Fantasma Y La Señora Muir

2010-06-29T13:41:00.002Z

Uno de los subgéneros más prolíficos de la historia del cine dentro de las películas de terror es el que trata sobre casas encantadas. Los fantasmas siempre han sido un elemento muy recurrente para asustar al público: algo inexplicable y fuera de nuestro control produce desde el primer momento esa sensación de inseguridad y posterior ansiedad que tanto hemos experimentado en una sala de cine. Dentro de las casas encantadas, muchos autores han querido aportar su granito de arena y tratar este tema desde distintas perspectivas.
Uno de ellos fue Jack Clayton que, en 1961, estrenó The Innocents basado en la famosa novela de Henry James Otra Vuelta de Tuerca, dando un punto de vista más psicológico basado en la complejidad de sus planos. Mucho se debatió sobre si Alejandro Amenábar tomó demasiadas referencias de esta cinta para Los Otros (2001). Dos años después, en 1963, Robert Wise realizó una de las mejores películas dentro de este subgénero: The Haunting. Basada también en una novela, esta vez en The Haunting of Hill House de Shirley Jackson, es un claro ejemplo de cómo hacer sufrir al espectador sin llegar a mostrarle nada. Su sutileza va unida a una eficacia que despierta una ansiedad en el espectador propia de la que sufren los personajes.
Sin embargo la película que nos ocupa no se parece en nada a las anteriores. Aparte de ser muy anterior (1947), no se ceba en el sentido terrorífico que han concedido los fantasmas en inumerables ejemplos. La cinta está basada en un joven viuda que decide trasladarse de la ciudad de la que vive a un pueblecito cerca del mar, para despejarse del estrés de las metrópolis y encontrar una paz que aún no ha encontrado. El primer paso de la mudanza es encontrar la casa apropiada y, como suele ocurrir en este tipo de películas, la vivienda donde se desarrollará el resto de la historia es, a priori, perfecta.
En los primeros momentos de la mudanza, Mankiewicz opta por un ritmo muy rápido en el devenir de las situaciones. En los primeros veinte minutos ya ha tenido lugar la introducción y las primeras tomas de contacto con la casa. En ellas parece que el tono de la película será tenebroso, más cercano al género de terror. Podemos adivinar por esta rapidez en el desarrollo de los acontecimientos que algo va a ocurrir de un momento ha otro y va a cambiar el registro. Y efectivamente, sobre todo con la aparición del fantasma, nos damos cuenta de que así es. El director no quiere otra película en la que las apariciones del ente sean un motivo para asustar al público: él lo utiliza como un personaje más de la trama y después de varias escenas el espectador llega a acostumbrarse a su presencia y lo tomo con un ser humano más. A esto también ayuda la magnífica interpretación que realiza Rex Harrison del difunto capitán Daniel Gregg. En seguida se produce una conexión entre él y la protagonista, interpretada por Gene Tierney, que será el núcleo central de la película.
Un aspecto muy interesante de las películas clásicas de Hollywood, especialmente las que cuentan con un sólido guión como es el caso, es que desde la situación inicial hasta la conclusión ocurren un sinfín de situaciones que no las podríamos haber imaginado al principio. Con esta película ocurre algo similar. En las primeras escenas parece que estamos ante una película de terror, posteriormente se trata de un melodrama para acabar en un drama romántico en estado puro, todo ello aderezado con contínuos toques cómicos. Esta contínua combinación de géneros podría haber sido un auténtico caos si no hubieran estado coordinados bajo una experta batuta como la de Mankiewicz. El director de Eva al Desnudo sabe perfectamente qué quiere contar y sobre todo cómo quiere contarlo. No hay momentos que sobresalgan por encima de otros ni que decaigan o hagan perder el interés: el ritmo y la linealidad son de un clasicismo tan puro que seguro puede servir de ejemplo para estudiantes de realización y de guióin.
Si a todo ello le añadimos la magnífica banda sonora firmada por Bernard Herrmann, el resultado es una de las mejores películas que nos ha dado el cine dentro de ese subgénero tan prolífico como es el de las casas encantadas, aunque la cinta no hable realmente de ellas.

Peor Fin de Semana de la taquilla española.

2010-06-28T12:05:00.006Z

El peor fin de semana en la historia de la taquilla española. Un total desastre de cifras totalmente ridículas que más de uno espera no volver a ver en mucho tiempo. El top10 apenas a logrado recaudar algo más de 2,47M€ y puede que el total del fin de semana no supere ni los 3,4-3,5M€, muy por debajo de los 3,9M€ del que era hasta ahora el peor fin de semana de la historia. Pese a la nulidad de grandes estrenos –además los dos fuertes han fracasado– nadie ha logrado aguantar con excesiva fuerza y lo que más se ha visto son descensos fuertes. Las cifras son ridículas y la presencia este miércoles de Twilight debería arreglar las cosas bastante. La cinta debería convencer a todo tipo de público ya que no hay oferta.

Marmaduke ha logrado repetir en lo más alto con unos tristes 505.000€ aún en sus buenos 325 cines. La cinta desciende un moderado 31% y con ello levantaría su total a los 1,55M€, una cifra muy competente para tratarse de un film que no ha funcionado excesivamente bien y que tenía el listón comercial muy bajo. Pese a lo que pueda afectarleEclipse, la cinta de Fox va camino de los 2M€ sin problema y con ello lograría el mejor resultado internacional del film junto con México.

Esta semana sólo llegaban dos estrenos y lo hacían de forma moderada, por su cuenta En pata de guerrallegaba a 240 cines, mientras que Scar 3D lo hacia en 220 cines con formato 3D. Las dos películas han terminado siendo importantes descalabros para este fin de semana. DeA Planeta era la responsable de la apuesta de terror pero pese a su energía (y como pasó con The Crazies) el resultado ha sido de sólo 245.000€, dejando un mal promedio de 1.113€ por cine. La ventaja en este caso es que el film aspiraba a poco –y seguramente ha costado poco– por lo que alcanzar los 600.000€ sería ya un importante qué. La presencia de Twilight podría “eclipsarla” de mala manera, pero a la vez podría ser un pequeño plus ya que la cinta de vampiros podría provocar un elevadísimo arrastre a las salas de cine, e incluso más de un colapso o deserción por parte de algunos sectores masculinos. De momento es difícil prever un buen boca a boca ya que los comentarios generales han sido muy negativos.

En pata de guerra termina peor, la cinta familiar sólo recauda 196.000€ en sus primeros tres días, dejando un duro promedio de 816€ por cine. La cinta no tiene opciones a llegar mucho más allá, ya que en dos semanas le llegará Shrek y esto la dejará fuera de la escasa cantidad de espectadores. El film podría estar ahora aspirando a los 550.000€. La ventaja de Aurum es el importante éxito que sí está teniendo con El retrato de Dorian Gray, con el que seguro que cubrirá algo de los gastos de la comedia familiar de Brendan Fraser. La cinta de terror light basada en el clásico de Oscar Wilde mantiene el tipo en cuarta posición con unos decentes 272.000€, un 43% menos que la pasada semana y ya se sitúa en los 1,89M€. Pese a la competencia desmedida de Crepúsculo, Dorian Gray tiene fuerza para alcanzar los 2,1M€.

La segunda semana de The blind side no ha terminado siendo tan buena como se podía esperar después de su más que decente estreno. Su sabor de film dramático con gancho femenino, especialmente en esta mala época del año parecía tener más atractivo. La cinta cae un 47% hasta los 286.000€ pero al menos logra superar el millón de euros, que ya es un dato decente para lo que podía soñar Warner.

El resto de veteranos de la cartelera, caen de forma más o menos aguda aunque con la lógica de estar ya muy agotados en la cartelera, por lo que la semana que viene deberían quedar ya bastante muertos. Prince of Persia cae un 37%, sigue en segunda posición con unos buenos 362.000€, que le lleva a un total de 8,66M€. Sexo en Nueva York 2 cae un 44% hasta los 216.000€, una cifra ya bastante escasa por sus aspiraciones y a sólo un mes de su estreno. Robin Hood mejora semana tras semana, ésta cae un 36% –la que menos en el top10– y ya sitúa sus datos en los 9,61M€ aunque ya con pocas opciones a superar los 10M€.

Cierran el top10 el drama de estreno La vida privada de Pippa Lee, que con 100 cines logra unos pobres 125.000€, que no alegran a casi nadie aunque sí son el mejor promedio de los estrenos del top10 de esta semana. La última canción cae un 50% hasta los 83.000€ y ya con un total de casi 1,43M€, que no está nada mal para esta película que empezó con unos flojos 430.000€, por lo que ya ha multiplicado por 3,32 veces su cifra inicial.

La única alegría reportada ha sido la del documental La última cima, que vuelve a tener el menor descenso con sólo una caída el 20%. La cinta se encuentra a sólo un paso de los 500.000€ y ya con más de 78.000 espectadores según indica su distribuidora, European Dream Factory.

Fuente: IMDB

Azur & Asmar

2010-06-23T14:28:00.002Z

Michel Ocelot se dio a conocer mundialmente en 1998, cuando estrenó Kirikú Y La Bruja. Anteriormente sus trabajos se reducían a series de televisión, un medio mucho más propicio para la animación por su variedad de temáticas y sus menores costes de producción comparados con un largometraje. Con Kirikú ya podíamos adivinar que Ocelot no estaba interesado, ni influenciado, por los dos grandes centros mundiales de animación: Estados Unidos y Japón. Su técnica es mucho más tosca, más teatral (en el sentido de la frontalidad de los personajes y de los escenarios, casi procedente de un juego de plataformas al estilo Mario) pero se subordina a un detallismo artesanal, muy metódico y elaborado.
Ocelot ha declarado que le costó 6 años realizar la película que nos ocupa, Azur & Asmar. Al ver alguno de los numerosos detalles que pueblan la película podemos entender el porqué. Las imágenes están repletas de ornamentos, elementos decorativos, paisajes exóticos y todo ello con una predilección por el color que pocos autores son capaces de conseguir. Puesto que la mayoría de la historia se desarrolla en el norte de África, Ocelot lo utiliza para plasmar todas esas elaboradísimas decoraciones geométricas de una manera magistarla.
Antes he comentado que la técnica de la animación era algo tosca comparándola con la nipona o la norteamericana. Pese a estar realizada por ordenador, su estética es muy distinta a cualquier película de animación corriente. Las únicas influencias que se pueden observar, a nivel visual, son de obras anteriores del propio Ocelot como la ya nombrada Kirikú. Ese estilo tan particular es lo que atrae directamente al espectador y su historia es lo que le lleva a continuar sentado ante la pantalla.
Hay que aclarar que el argumento tampoco destaca por su elaboración. Es una referencia directa a los clásicos cuentos infantiles donde el héroe sueña con alcanzar una meta desde niño, aunque pueda parecer algo imposible, pero que con mucho esfuerzo y superando los numerosos obstáculos, al final lo consigue. Esta historia del protagonista que consigue triunfar ante las adversidades y que al final se queda con la chica no es para nada algo novedoso. La hemos visto de todas las formas y maneras posibles y creemos que no nos podrá sorprender otra historia más. Sin embargo el director francés aporta algunas novedades que, cuanto menos, resultan muy interesantes y atractivas dentro de la narración. Una de ellas es introducir un doble héroe: la historia no gira en torno a un protagonista único, el que en principio conseguirá a la chica cuando supere todos los obstáculos. Aquí la carrera se produce entre dos hermanos, los dos con idéntico objetivo aunque sólo uno de ellos puede ser el vencedor. Esto es algo que quizá al espectador le produzca cierta incertidumbre al no saber cuál de los dos será el vencedor. Sin embargo, tal y como se desarrolla la película, también es lógico pensar que ninguno de ellos perderá.
Otro punto interesante es la dualidad que puebla toda la película. Partiendo de los dos hermanos que quieren conseguir al Hada de Djinns e incluso el propio título de la película Azur & Asmar, se narran dos historias paralelas entre lo que le ocurre a cada uno, aunque centrándose sobre todo en la odisea de Azur, que en principio pueden partir de puntos distintos pero que poco a poco va acercando sus posturas y entrecruzando sus peripecias.
En esta dualidad entre los dos hermanos, uno rico y uno pobre, sus dos culturas, sus dos países, es donde está la verdadera intención de Ocelot con esta película. Temas como el racismo, la inmigración, la marginación o el materialismo de la sociedad son constantes durante el metraje, algunas tratadas con mayor profundidad que otras. Este tipo de recursos también los utilizaba en Kirikú, ambientado en una tribu africana y en un niño que cree poder acabar con la bruja para liberar a sus semejantes. Dentro de la simplicidad de la presentación, al menos en cuento al juego de planos o a la técnica de la animación, se esconden temas complejos y muy maduros que demuestran la gran libertad que da la animación a sus autores para conseguir contar cualquier tipo de historia, tanto real como ficticia.
Michel Ocelot lo sabe y ha sabido explotarlo no sólo en esta Azur & Asmar, sino también en sus obras anteriores.

La Cultura contra el Franquismo

2010-06-15T11:06:00.002Z

Testimonios de víctimas del franquismo reunidos por la directora Azucena Rodríguez (Entre rojas) y puestos en boca de once actores -Javier Bardem, Juan Diego, Maribel Verdú, Aitana Sánchez-Gijón, Juan Diego Botto, Paco León, Pilar Bardem, Carmen Machi, María Galiana, Hugo Silva y José Manuel Seda-, dos escritores -Juan José Millás y Almudena Grandes-, un cantante -Miguel Ríos- y un director -Pedro Almodóvar-.

Precisamente el manchego y el internacional Javier Bardem son los grandes reclamos de esta pieza de 9 minutos de duración, titulada Contra la impunidad y que se proyectó ayer por la noche en un cine madrileño. La intención de sus responsables es la de avivar el debate sobre la memoria histórica y denunciar el acoso del juez Baltasar Garzón, favorable a juzgar e investigar los delitos del franquismo.

Historia de la animación (II)

2010-06-06T10:02:00.002Z

Tras una serie de obras destacables como el cortometraje de Winsor McCay Gertie, The dinosaur (1914), donde se combinaban planos animados del animal con imágenes reales de su domador, aparece en 1917 el que está considerado el primer largometraje animado de la Historia. Realizado por el ítalo-argentino Quirino Cristiani, tenía una duración de 60 minutos que representaban una sátira política centrada en el por entonces presidente de Argentina, Hipólito Yrigoyen, titulada irónicamente El Apóstol. Sin embargo no queda ninguna copia completa del largo ya que se perdió casi todo en un incendio y el resto se utilizó como reciclado del celuloide para la fabricación de peines. Apenas se pueden encontrar algunas imágenes.
La primera película de animación que se conserva enteramente es muy posterior, de 1926. Lotte Reiniger realizó durante tres años en su Alemania natal Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Las Aventuras del Príncipe Achmed). Más cercana al stop motion, utiliza figuras de papel negras para crear a los personajes y los superpone sobre fondos de colores que representan los distintos escenarios. Su duración es de unos 65 minutos y narra la odisea del príncipe Achmed en su intento de rescatar a su hermana secuestrada y también a la mujer a la que ama.

En 1928 aparece la primera obra con sonido sincronizado, ni más ni menos que uno de los hitos de la Historia de la animación: Mickey Mouse. Ya desde 1919 podemos encontrar ejemplos de cortos animados con sonido, como en las Silly Symphonies de Disney. Sin embargo no es hasta 9 años después cuando Ub Iwerks presenta en el Colony Theatre de Nueva York al famoso ratón silbando mientras navega con su barco, otro de los hechos capitales dentro del cine de animación.

En los años posteriores, el cine de animación fue perfeccionando estas primeras técnicas a las que se añadían narraciones más complejas, obras de mayor duración y otros avances como el uso del rotoscopio, inventado por Max Fleischer en 1915 y utilizado por él y su hermano Dave en sus cortos a principios del siglo XX. Este aparato utilizaba proyecciones de imágenes reales que eran calcadas por el animador para conseguir unos movimientos totalmente naturales, como se puede observar en Snow White and the Seven Dwarfs (David Hand, 1937).
Tras varias décadas en las que se fue innovando cada vez más el campo de la animación, los aparatos digitales marcaron una revolución en la forma de crear estas obras y sobre todo en la manera en que el espectador disfrutaba de ellas. Los primeros ejemplos del uso de ordenadores para realizar películas animadas se remontan a los años 60, cuando la productora norteamericana Hanna & Barbera comenzó a experimentar con el uso de estas máquinas para aplicar los colores a los distintos fotogramas. De esta manera se ahorraba mucho tiempo y dinero pero se perdía ese aire artesanal de antaño.
No es hasta 1981 cuando el húngaro John Halas realiza Dilemma, el primer corto realizado enteramente por ordenador. Tras él surgiría el estudio de animación norteamericano Pixar, el mayor exponente en animación por ordenador. Ellos fueron los que crearon el primer largometraje realizado enteramente con esta técnica: Toy Story (John Lasseter, 1995).
En los años posteriores no se ha dejado de innovar dentro de este ámbito. Así nos podemos encontrar con ejemplos como Polar Express (Robert Zemeckis, 2004) donde aparte de utilizar ordenadores, se usaba la técnica del motion capture (captura de movimientos de seres humanos digitalizados para crear los personajes de ficción).

Historia de la animación (I)

2010-05-31T14:59:00.001Z

Si entendemos como animación el procedimiento de diseñar los movimientos de los personajes o de los objetos y elementos, los primeros ejemplos que nos hemos encontrado a lo largo de la Historia se remontan unos años antes a las primeras obras de los hermanos Lumiére en 1985.
A finales del siglo XVIII un afamado mago belga llamado Étienne-Gaspard Robert, muy popular por lograr apariciones demoníacas y angelicales en sus shows, patentó el fantascopio en 1799. Se trataba de una linterna mágica con unos obturadores más desarrollados para conseguir una sensación de movimiento más natural, y aunque en principio fue utilizada para mostrar ilusiones animadas durante sus espectáculos, lo que sí podemos destacar es que sentó las bases de lo que serían los posteriores proyectores de animación.
Tras él, estos aparatos fueron perfeccionándose, con ejemplos como el fenaquitoscopio de Joseph-Antonine Plateau en 1892, que conseguía mostrar un movimiento mucho más natural de los cuerpos. Se trataba de un disco circular en el que estaban dibujados los distintos planos de un hombre o una animal realizando una acción. Al girarlo a cierta velocidad de forma constante, el espectador recibía la información visual de un cuerpo en movimiento. Sin embargo el aparato de Plateau no emitía una proyección de imágenes, sino que el observador debía mirar directamente el disco mientras giraba, por lo que la recepción sólo podía ser individual.
A partir de 1892, con los inventos de Émile Reynaud, los orígenes de la animación y del propio cine se difuminan, puesto que la cinematografía básicamente son imágenes en movimiento. Reynaud inventó el praxinoscopio: una variación del zoótropo creado en 1834 por William George Horner. Ésta consistía en una pequeña rueda en cuyo interior se colocaban los dibujos y, al hacerla girar, el observador podía percibir la sensación de movimiento. La única novedad que introdujo Reynaud al invento de Horner fue colocar en el centro de la rueda una serie de espejos, que proyectaban la imagen hacia el espectador. Este sería uno de los primeros pasos en la proyección que posteriormente se perfeccionó con el cinematógrafo.
Antes decía que las barreras entre la animación de dibujos animados que se daba originalmente y el cine como tal se difuminaban porque Reynaud comenzó a utilizar fotografías en su praxinoscopio. Así se podía observar la imagen real de un caballo galopando o un hombre caminando.
El gran paso de diferenciación entre estos dos tipos de proyecciones, que en origen estuvieron muy relacionados, se produjo a principios del siglo XX. En el año 1906, James Stuart Blackton realizó el primer cortometraje de dibujos animados de la Historia tal y como hoy lo conocemos: Humorous Phases of Funny Faces.

Lo que caracterizó esta obra fue que Blackton no se centró en inventar un nuevo aparato para que una sola persona disfrutara de la animación: él fotografió distintos momentos mientras dibujaba, que al proyectarse con un cinematógrafo sobre una pantalla a una velocidad constante consiguiera dar la sensación de movimiento y además ser admirada por un grupo numeroso de gente simultáneamente. El material que utilizó para realizar estos dibujos no fue el papel y lápiz que comúnmente se usa en la actualidad, las imágenes que se muestran están realizadas con tiza en un panel de pizarra. Incluso en algunos planos se pueden apreciar algunas zonas más blanquecinas producto de haber borrado dibujos anteriores.
Dos años después del cortometraje de Blackton, el caricaturista francés Émile Cohl realizó su famosa obra Fantasmagorie, considerada por muchos como la primera obra de animación de la Historia.

También utilizó como materiales la pizarra y la tiza, al igual que Blackton. Sin embargo lo que diferenció estas dos obras fue que la de Cohl mostraba cierta narración en algunas de sus partes, consiguiendo una continuidad, muy simple todavía, que dota a la historia de cierto sentido. Blackton se centró más en conseguir encadenar distintos dibujos para dotarles de movimiento durante una proyección, sin embargo Émile Cohl buscó ir más allá y consiguió crear una pequeña historia basada en las transformaciones de sus personajes.
Tras estos dos pioneros del cine de animación, fueron muchos los animadores que se interesaron por esta gran rama que el cine les brindaba, de la que imaginaban unos posibilidades tanto narrativas como visuales que el cine de imagen real no les podía facilitar.
Hasta aquí la primera parte del artículo. En la segunda hablaremos de loss primeros largometrajes, del color y del sonido sincronizado.

Cannes 2010

2010-05-24T13:14:00.000Z

La mayor parte de las quinielas apostaban por él, y no se equivocaban. El jurado de la 63ª edición del Festival de Cannes, presidido por el director estadounidense Tim Burton, ha anunciado que Javier Bardem es -aunque ex aequo con el actor italiano Elio Germano- el ganador del premio a la mejor interpretación masculina. Su papel de muerto en vida y ex yonqui con vocación de santo urbano en la película Biutiful, último trabajo del director mexicano Alejandro González Iñárritu, vuelve a coronar al actor español tras el Oscar al mejor actor de reparto cosechado en 2007 por su interpretación en la película de los hermanos Coen No es país para viejos. Germano es el protagonista de la película Nuestra vida, del italiano Daniele Luccheti.

"Comparto esta alegría con mi amor Penélope", ha declarado Bardem al recibir el galardón. Se trata de la primera vez que se refiere en público de forma cariñosa a la actriz. El actor ha dedicado también el premio a su madre y a sus compañeros y especialmente al director, González Iñárritu, al que ha calificado de "impresionante". Con este premio, Bardem completa una brillante carrera, en la que, al margen del Oscar, ha logrado un Globo de Oro, cuatro Goyas y un BAFTA.

Después de la gala, Bardem ha asegurado en un encuentro con periodistas que el personaje que interpreta en la película es "muy importante" para él. "Me llega a muchos sitios emocionales; me ha representado un cambio en mi forma de trabajar", informa Elsa Fernández Santos.

La Palma de Oro, máxima recompensa del Festival, ha ido a manos del director tailandés Apichatpong Weerasethakul. Su película Lung Boonme raluek chat, una historia de fantasmas, vivos a punto de pasar al otro lado y muertos empeñados en regresar dividió a la crítica y el público del festival de Cannes, pero no al jurado, que le da el máximo trofeo del festival máximo. Es una evidencia: si Joe, como le denominan sus seguidores, era ya idolatrado por un sector de la crítica que lo situaba a la altura de los más grandes (con la revista Cahiers du Cinema a la cabeza del grupo de fans, ahora Apichatpong se convierte en un grande ya consagrado. La francesa Juliette Binoche ha sido la elegida por el jurado como mejor actriz por su excelente interpretación en la película Copie conforme del iraní Abbas Kiarostami. El mejor director es el francés Mathieu Amalric por su primera presencia en Cannes, Tournée. El realizador de Chad Mahamat Saleh Haroun ha recibido el Premio del Jurado por su largometraje Un homme qui crie, y el premio al mejor guión es para el coreano Lee Chang-dong por Poetry, película que también dirige.

Via El PAís.

Fallece Antonio Ozores

2010-05-12T13:33:00.000Z

El actor y director Antonio Ozores, hermano de José Luis (también fallecido) y Mariano ha muerto esta mañana a los 82 años de edad en la clínica madrileña Anderson, un centro oncológico, según ha sabido El Confidencial Digital.

Famoso por sus películas y un sentido del humor especial recibió su último homenaje en Alicante, el del Festival de Cine de esta provincia que le otorgó su galardón “a toda una vida”. En una reciente entrevista a un diario, Antonio Ozores recordaba que el suyo “siempre ha sido un humor "raro, surrealista". Me ha funcionado muy bien, hasta me inventé esa forma de hablar rara", recordaba en relación con su personaje mítico en 'Un, dos, tres' de Chicho Ibáñez Serrador.

A sus 82 años tenía muchas ganas para seguir haciendo teatro y ninguna de volver al cine. Ozores no aparece en la gran pantalla desde “Pelotazo Nacional” en 1993. Estaba en Madrid con su último proyecto, 'El último que apague la luz', precisamente con Emma Ozores y Mario Tardón, estrenada en 2004 y que ya han visto dos millones de personas.

Todo Ken Loach Gratis.

2010-05-07T04:30:00.001Z

El director de cine británico Ken Loach está subiendo toda su obra en YouTube, en versión original, por lo que se podrá acceder libremente a su filmografía completa a través de este canal.

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La isla y su Interior.

2010-04-17T12:53:00.002Z

El encasillamiento es uno de los males endémicos del cine. Sin embargo Dunia Ayaso y Félix Sabroso, englobados dentro de una falsa comedia, crean aquí su drama más personal. La isla interior es un drama como los de antaño, lleno de miradas y sentimientos, de verdades como puños. Narra la historia de una familia disfuncional que se reúnen ante la inminente muerte de su padre en Gran canaria, tierra de los realizadotes y que funciona como un personaje mas dentro de este puzzle de emociones.

Hay que destacar lo sólido del guión y que es el humor de fondo (lo juro, hay humor) el que hace coherente una historia tan sórdida como esta. Es una obra de personajes, todos ellos maravillosos. Destaca por encima de todos Alberto San Juan en la que quizás sea su composición mas lograda hasta el momento. La metamorfosis del actor es increíble y nos convence por completo de que esta viviendo en esa línea tan delgada que separa realidad y locura. Locura, si, esa es la base de toda la película. El miedo a la locura y sus consecuencias. Miedo a que nos posea y posea a todos los que nos rodean aunque, a fin de cuentas, los locos son ellos, los que nos rodean y hacen que el mundo sea como es.

Especial atención merecen también los personajes de Candela Peña y una inconmensurable Geraldine Chaplin en lo mas alto de su carrera. Geraldine recrea el personaje de la madre que todo lo sabe o sospecha pero que tiene que lidiar con una familia en la que todos se hacen daño. Es el catalizador de las emociones, la que decide que esta bien y que no. Su escena llorando en la cama y sus silencios son antológicos.

La isla interior es un balcón a las emociones de una familia y a su cotidianidad con la locura.

Calificación: 7/10

Alicia, el cuervo y el escritorio.

2010-04-17T11:50:00.003Z

Hablar de Tim Burton (como hablar de Hitchcock o David Lynch) es hablar de un sello especial. Durante toda su carrera se ha forjado un estilo inconfundible que le cataloga como uno de los pocos creadores de la meca del cine. Podríamos incluir en el grupo a Terry Gillian pero con desiguales resultados. En Alicia, Burton demuestra que detrás de un presupuesto megamillonario y un Blockbuster puede coexistir un atisbo de genialidad y arte.

Nada nuevo bajo el sol. La historia sigue siendo básicamente la misma, la perdida de la inocencia y el tomar las riendas de tu propia vida sin que los demás manejen tu destino. Sin embargo, el director siempre se reinventa en unos paisajes y unos mundos particulares, casi rozando el surrealismo de Dalí, en muchas secuencias, que hacen del film una obra de arte visual y aún más con la atmosfera envolvente y subyugante que transmite 3D.

Sin embargo, el cruce Burton-Disney ha creado unos personajes excesivamente infantiles y planos en el que segundas lecturas son imposibles. Disney ha blanqueado a Burton, lo ha descafeinado y ha eliminado por completo la complejidad y la oscuridad de algunos personajes que lo exigían. Hasta un personaje tan a priori Bombón como el Sombrerero Loco se diluye en este cuento infantil (en la peor de las acepciones lo de cuento).

En cuanto a la caracterización de los personajes se me antoja innecesaria, como Helena Bonhan Carter o el artificioso Crispin Glover. Tanta estilización no aporta nada en absoluto a sus personajes y, una vez mas, invita a la desdramatización de estos en pro de la simple anécdota.

En definitiva, una obra visualmente magnifica pero tremendamente plana y sin alma. Lo que Burton logró superar con Charlie y la fábrica de chocolate no es conseguido aquí. Y es que no es lo mismo Warner que Disney.

Calificacion: 6/10

Juliette Binoche imagen de Cannes

2010-03-29T12:32:00.005Z

Una fotografía de la actriz francesa Juliette Binoche realizada por Brigitte Lacombe será la imagen de la 63 edición del festival de Cannes, que se celebrará del 12 al 23 de mayo próximos, informaron hoy los organizadores.

La fotografía de Lacombe muestra a Binoche descalza, con camisa y pantalón negro escribiendo con unas brochasy mediante un amplio gesto la palabra "Cannes", con unas letras luminosas, bajo un fondo azul.

"La gracia de su gesto es una invitación a seguirla", relata el comunicado de prensa, que indica que los organizadores quedaron "seducidos" por "la figura alegórica" que representa Binoche, ganadora de un Oscar por su papel en "El paciente inglés".

Asimismo, destacaron la silueta de la actriz, que "ilumina la escena con su presencia", y la "simplicidad" de la imagen, que desprende "magia" por la "mirada enigmática" de Binoche.

El cartel de este año prosigue con la serie de heroínas que inició el festival hace dos años "como representación del misterio de la pantalla". En la pasada edición el cartel fue un fotograma de "L'Aventura", película rodada en 1960 por Michelangelo Antonioni, en el que una misteriosa silueta femenina se asoma a un balcón.

En 2008 fue Pierre Collier, artista de carteles cinematográficos, quien preparó una imagen inspirada en una fotografía del cineasta David Lynch, en la que se mostraba a una mujer rubia con los ojos tapados para guardar su anonimato.

Vía EFE

Hasta los clásicos pagan.

2010-03-29T12:11:00.005Z

El célebre actor británico Christopher Lee y varios de sus asociados han sido condendados por un juzgado de Burgos a indemnizar con 710.000 euros al ilustrador español Gerardo Moreno por uso indebido de una ilustración y del diseño gráfico en la edición en DVD de la película Jinnah , protagonizada por Lee. En una sentencia preliminar, de marzo de 2009 y que fue publicada en el Boletín Oficial del Estado, B.O.E [ver aquí en PDF ], el juez José María Tapia López, del juzgado de primera instancia número cuatro y de lo Mercantil de la capital burgalesa, estimaba que los demandados debían indemnizar al ilustrador español. Según la resolución de ejecución de la sentencia (con fecha de octubre de 2009) a la que ha tenido acceso EL PAÍS [ver aquí en PDF ], esa indemnización asciende a un total de 710.000 euros, más sus correspondientes intereses. Los demandados deberán además publicar en un diario de tirada nacional el contenido de la resolución.

El ilustrador Gerardo Moreno realizando la ilustración para la película de Christopher Lee-

Carátula de la edición en DVD del filme 'Jinnah'-

Los hechos, según el demandante, se remontan al año 2003 cuando Moreno firmó un contrato con Juan Aneiros, (bajo autorización de Christopher Lee y los productores del DVD). Se da la circunstancia de que Aneiros, que también está acusado en calidad de gestor (webmaster) de la página oficial de Lee en Internet (Christopherleeweb.com ) es yerno del actor. Gerardo Moreno fue contratado por Aneiros para ilustrar la portada de la edición en DVD de la película Jinnah, una millonaria coproducción británico-paquistaní de 1998 sobre la fundación de Pakistán y en la que Lee da vida al protagonista, Mohamed Alí Jinnah.

En un principio Moreno, siempre según su versión, recibió un pago por una ilustración digital para la portada del DVD. Luego los demandados (entre ellos, además de Lee y de Christopherleeweb.com, la compañía The Quaid Proyect Limited), decidieron solicitar a Moreno una "ilustración plástica" (pintada a mano) y el diseño completo del DVD (ilustración frontal, carátula, planchas interiores, libro informativo y la utilización de los mismos para el diseño del los menús interactivos...). Moreno asegura que no recibió los pagos que le correspondían por estos trabajos y, además, vio cómo sus diseños también eran utilizados de nuevo para la segunda edición del DVD .

Los DVD se pusieron a la venta finalmente en 2004. El autor de los diseños asegura no haber recibido suma económica alguna en concepto de derechos de propiedad intelectual y sus correspondientes royalties. "Hasta la fecha no he podido hablar personalmente sobre el caso con Mr Lee, por eso no le hago responsable (hasta que se demuestre lo contrario) de esta situación", ha señalado Moreno.

El procedimiento civil, que se ha seguido íntegramente en Burgos, se ha realizado con los demandados en situación de rebeldía, ya que ni ellos ni sus abogados se personaron en la causa. Tampoco aprovecharon los plazos para apelar cuando la sentencia no era firme, ni cuando se dictó la ejecución de la misma, el 14 de octubre de 2009.

Embargo de bienes

La resolución del juzgado establece el embargo de bienes de los imputados "en cantidad suficiente para cubrir las cantidades reclamadas". Por el momento al demandante está a la espera del procedimiento de embargo o de un posible acuerdo económico. Este diario ha intentado ponerse en contacto en varias ocasiones con los imputados, pero éstos han declinado realizar declaración alguna.

Christopher Lee (Belgravia, Reino Unido, 1922) ha interpretado cerca de 200 películas de cine, decenas de series de televisión y ha puesto voz a numerosos personajes. Entre sus últimos trabajos destacan sus papeles en la saga de El señor de los anillos y de laGuerra de las galaxias, Charlie y la fábrica de chocolate y Alicia en el país de las maravillas. También ha hecho carrera como cantante y vocalista, con una decena de álbumes. El último, Charlemagne: By the Sword and the Cross, acaba de ponerse a la venta. Christopher Lee goza del título de Sir, concedido por la Reina Isabel II de Inglaterra.

Vía Diario el País.

Finaliza el Festival de Las Palmas de G.C

2010-03-21T06:02:00.007Z

La película "Lola" de Brillante Mendoza se ha hecho con la Lady Harimaguada de oro del XI Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, después de que así lo haya decidido el jurado.
La película ha logrado además el premio exaequo a sus dos actrices, Anita Linda y Rústica Carpio, así como a la mejor dirección de fotografía realizada por Odyssey Flores.
En cuanto a la segunda posición, la Lady Harimaguada de plata ha recaído en la película "Irene" de Alain Cavalier.
El film "La Donation" de Bernard Édmond también ha destacado dentro del festival, ya que ha recibido la mención especial del jurado, el Premio Signis y el Premio del Público.
Estos galardones los dio a conocer hoy el director italiano Francesco Maselli, presidente del jurado oficial del que también forman parte Nicole Brenez, Doménec Font, Philipe Grandrieux, Susan Seidelman y Claudio Rizzo.
Así, el premio al mejor actor ha ido a parar a Lee Sun-Kyun por su interpretación en "Paju" de Park Chan-Ok.
En la sección de cortometrajes exaequo, el galardón lo han recibido "En el insomnio" de José Ángel Dévora y "Rita" de Fabio Grassadonia y Antonio Piazza. En este apartado, "Castillo" de Jorge Tur Moltó ha obtenido la Mención Especial del Jurado al Cortometraje.
El jurado José Rivero al mejor nuevo director, integrado por Isabelle Weingarten, Luís Escartín, Damián Perea, Malgorzata Janczak y Ansgar Vogt, ha otorgado el premio ex aequo a Kamen Kalev por "Eastern Plays" y a Óscar Ruiz Navia por "El vuelco del cangrejo". El jurado ha otorgado además una mención especiala"Holidays" de Víctor Moreno.
Por su parte, los integrantes del jurado del Foro Canario han otorgado ex aequo el premio a "Paseo por Guet N'Dar" de Jaime R. Friend y a "Encounter" de Nayra y Javier Sanza Fuentes.
También el jurado Signis, ha fallado a favor de "La Donation" de Bernard Édmond.
Finalmente, el Premio La Mirada Womad de Las Palmas de Gran Canaria 2009, galardón que reconoce un trabajo audiovisual rodado durante la celebración de este festival de música, danza y artes del mundo, ha recaído en "Yo he bailado con Lolita Pluma" de Mariola Pestana

Paper Heart: El larguísimo viaje del amor

2010-03-16T14:03:00.006Z

Paper Heart es una nueva vuelta de tuerca a los cada vez mas habituales falsos documentales. Narra la historia de Charlyne Yi, interpretado por una insustancial y poco talentosa actriz, que es incapaz de amar. Esa es la fallida matriz de este film, descubrir los orígenes, ya sean químicos o mentales del amor. Y lo hace a través de una road movie por todos los EEUU, con entrevistas a parejas de lo mas variopintas que nos narran el germen de su amor. Hasta aquí, todo bien.

El problema surge cuando intercalan en el documental una falsa historia de amor entre la protagonista y Michael Cera (si, el de Juno) que se interpreta a si mismo. Todo resulta tan falso y acartonado como toda la producción en si, que no logra convencernos ni por un solo instante de la veracidad de la propuesta.

Este teatro nos viene aderezado por un supuesto aire Indie, que no hace mas que enmascarar lo ajustado del presupuesto y una falta de ideas por parte de su director, el principiante Nicholas Jasenovec, que no auguran nada bueno para su futuro inmediato.

Destacar, aunque solo sea de manera anecdótica, y por no hacer leña del árbol caído, las narraciones con títeres y la canción “Magic Perfume”.

En resumen, un largo, larguísimo viaje al tedio del amor. Hay películas que te enamoran y otras, como esta, que te hacen perder la fe.

Calificación 3/10

Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria

Muere el actor Corey Haim

2010-03-11T04:21:00.003Z

El actor Corey Haim ha muerto debido aparentemente a una sobredosis accidental en Los Ángeles, ha confirmado la policía de la ciudad estadounidense, que ha añadido que la madre de Haim estaba con él. La autopsia determinará la causa oficial del fallecimiento de Haim, que tenía 38 años.

La web Tmz publica que el actor ha muerto en la cama del apartamento de su madre y allí se han encontrado botes de medicamentos con prescripción médica. La página afirma que el actor había tenido síntomas gripales en los últimos días, pero que las medicinas halladas no tenían relación con esa enfermedad.

El intérprete canadiense, que participó en títulos como Sueña un pequeño sueño, Jóvenes Ocultos (1987), Lucas (1986) o Papá Cadillac(1988), tenía problemas con las drogas, según los medios de EE UU. Haim también protagonizó, junto a Corey Feldman, el programaLos dos Coreys, que se emitió entre 2007 y 2008 en la cadena por cable A&E y por el que el actor recibió una nominación para los Viewer's Choice Award en la 22 edición de los premios Gemini en Canadá.

La muerte de Corey Haim ha corrido como la pólvora en Twitter, donde en cuestión de minutos su nombre y su apellido se han convertido en dos de las palabras más buscadas, utilizadas y comentadas por los usuarios de este sistema de micro blogs. Además de seguidores del actor, también han comentado su pérdida y han mostrado sus condolencias estrellas de Hollywood como Alissa Milano, Christina Applegate o Ashton Kutcher.

Vía El Pais

Oscars con sabor látino

2010-03-08T06:08:00.005Z

- Mejor película: "En tierra hostil".
- Mejor director: Kathryn Bigelow - "En tierra hostil".
- Mejor actor: Jeff Bridges - "Corazón rebelde".
- Mejor actriz: Sandra Bullock - "The Blind Side".
- Mejor película extrajera: "El Secreto de Sus Ojos" - Argentina.
- Mejor actor secundario: Christoph Waltz - "Malditos bastardos".
- Mejor actriz secundaria: Mo'Nique - "Precious".
- Mejor guión original: "En tierra hostil" - Mark Boal.
- Mejor guión adaptado: "Precious" - Geoffrey Fletcher.
- Mejor película de animación: "Up" - Pete Docter.
- Mejor canción original: "The Weary Kind", tema de "Corazón rebelde" - música y letra de Ryan Bingham y T Bone Burnett.
- Mejor edición: "En tierra hostil" - Bob Murawski y Chris Innis.
- Mejor corto animado: "Logorama" - Nicolas Schmerkin.
- Mejor corto documental: "Music by Prudence" - Roger Ross Williams y Elinor Burkett.
- Mejor corto: "The New Tenants" - Joachim Back y Tivi Magnusson.
- Mejor Maquillaje: "Star Trek" - Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow.
- Mejor dirección artística: "Avatar" - Rick Carter y Robert Stromberg.
- Mejor diseño de vestuario: "La reina Victoria" - Sandy Powell.
- Mejor edición sonora: "En tierra hostil" - Paul N.J. Ottosson.
- Mejor mezcla de sonido: "En tierra hostil" - Paul N.J. Ottosson y Ray Beckett.
- Mejor dirección fotográfica: "Avatar" - Mauro Fiore.
- Mejor banda sonora original: "Up" - Michael Giacchino.
- Mejores efectos visuales: "Avatar" - Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham y Andrew R. Jones.
- Mejor documental: "The Cove".

La entrega de número 82 de los Premios Oscar estuvo todo el tiempo marcada por cierto suspenso a la hora de premiar, menos cuando Tom Hanks, en menos de cinco segundos, abrió el sobre de la Academia para anunciar que 'The Hurt Locker' era la Mejor Película.

Su directora, Kathryn Bigelow, se convierte en la primera mujer en ganar la estatuilla como Mejor Director en una categoría dominada por los hombres. Bigelow le ganó a su ex esposo, James Cameron, con la popular 'Avatar'.

No cabe duda, que la noche se la robó 'The Hurt Locker' con seis premios, incluyendo las favoritas de Mejor Filme y Mejor Director.

Musical, estilo cabaret, abrió la 82ª entrega de los Premios Oscar de la mano de Neil Patrick Harris, quien hay que reconocer que los años no pasan por él. Alec Baldwin y Steve Martins hicieron gala de los poderes y libertades de ser conductores de un evento de esta magnitud, aunque se extendieron un poco en sus conversaciones, pecando de hasta pesados al burlarse de casi todos. Merly Streep sí parecía disfrutar que la consideraran como una de las grandes perdedoras de las premiaciones por la cantidad de nominaciones que ostenta a lo largo de su carrera. A George Clooney no le hacía ninguna gracia.

Penélope Cruz fue la primera presentadora de la noche en la categoría de Mejor Actor de Reparto, estatuilla que se llevó Christoph Waltz con 'Inglourious Basterds' destronando a Matt Damon con 'Invictus' y Woody Harrelson con 'The Messenger'.

Cameron Díaz, luciendo uno de los mejores vestidos de la noche, presentó la categoría de Mejor Filme Animado, que merecidamente se lo llevó 'Up' dejando con el deseo del premio a 'Coraline' de Henry Selick, 'The Secret of Kells' deTomm, 'Fantastic Mr. Fox' de Wes Anderson y 'The Princess and the Frog' de John Musker and Ron Clements
.
En la categoría de Mejor Canción Original se alzó con la estatuilla Ryan Bingham y T Bone Burnett con el tema 'The Weary Kind' de la película 'Crazy Heart'. 'Loin de Paname' de 'Paris 36', 'Almost There' y 'Down in New Orleans', ambas de 'The Princess and the Frog', 'Take It All' de "Nine" no la hicieron.

En Mejor Güión, el triunfo fue para Mark Boal con una de las favoritas de la noche 'The Hurt Locker'. Quentin Tarantino con 'Inglourious Basterds' no logró imponerse, tampoco 'The Messenger'escrita por Alessandro Camon y Oren Moverman, ni 'A Serious Man' de Joel Coen de Ethan Coen, ni 'Up'. La verdad que mala nube para Tarantino, quien ostenta varias nominaciones, pero los premios parecen no favorecerles.

En la categoría de Cortos Animados (Short Film Animated), que cada vez adquiere mayor relevancia en los Oscar, el triunfo fue para el filme francés 'Logorama' de Nicolas Schmerkin, el director espera que en los próximos 36 años tenga la suerte de volver a competir.

En cortos, pero no animados, la codiciada estatuilla quedó en manos de Joachim Back y Tivi Magnusson con 'The New Tenants', para ambos directores es el primer Oscar en sus carreras.

Menos mal que existe un Ben Stiller para darle realmente el humor que necesitaba la noche. Parodiando 'Avatar', con una espléndida cola que cobraba vida propia, el comediante presentó la categoría de Maquillaje, la cual tomó otra dimensión y no pasó desapercibida gracias a Stiller. Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow disfrutan del premio con 'Star Trek'.

En Mejor Güión Adaptado se impuso Geoffrey Fletcher, su primer Oscar, con 'Precious', basado en la novela 'Push' de Sapphire. Un emocionado Fletcher no tenía palabras para agradecer en el tradicional discurso, en el que ahora está censurado por la Academia llorar. El hombre no podía aguantar la emoción. "Le doy gracias a todos", trillado, pero era lo único que se adaptaba al momento.

La esperada categoría de Mejor Actriz de Reparto, por la nominación de Penélope Cruz, tenía en la banca a la española junto a Vera Farmiga, Maggie Gyllenhaal, Anna Kendrick y Mo'Nique. El fuerte personaje de Mo'Nique apretó la estatuilla en sus manos. "Gracias por mostrarme a mí" fue su mensaje más humilde de un premio, que era difícil de quitárselo. Penélope realmente la tenía difícil frente a esta contrincante.

Dirección de Arte fue para 'Avatar', responsabilidad de Rick Carter, Robert Stromberg y en la decoración del set Kim Sinclair. El premio de Diseño de Vestuario fue para 'The Young Victoria'. Sandy Powell iba luciendo uno de los trajes propios de la categoría. Con clase agradeció llevarse la estatuilla.

En Cinematografía el Oscar fue para el italiano Mauro Fiore con 'Avatar'. En Edición de Sonido y Mezcla de Sonido Christopher Boyes quedó con dos estatuillas y Gwendolyn Yates Whittle también por Edición de Sonido. La música de 'Up' tuvo suficiente personalidad para apoderarse del premio en Mejor Partitura. En Efectos Especiales también 'Avatar' fue la ganadora y Joe Letteri recibió la estatuilla.

En Mejor Filme Extranjero, Argentina está de fiesta con 'The Secret in Their Eyes' (El Secreto de Sus Ojos) dejando en la nominación a la peruana 'The Milk of Sorrow' (La Teta Asustada), 'Ajami' de Israel, 'A Prophet' (Un Prophète) de Francia y a la alemana 'The White Ribbon' (Das Weisse Band).

Bajo la codiciada y esperada categoría de Mejor Actor las nominaciones la compartían Jeff Bridges en 'Crazy Heart', George Clooney por 'Up in the Air', Colin Firth por 'A Single Man', Morgan Freeman con 'Invictus' y Jeremy Renner por 'The Hurt Locker'. Y el Oscar, muy reconocido, fue para Jeff Bridges, quien se lo dedicó a sus padres. Ya merecía su primer Oscar.

En Mejor Actriz, una emotiva Sandra Bullock no le alcanzaban las palabras para agradecer la estatuilla y que en todo momento dijo que también era muy merecida por Helen Mirren, Carey Mulligan, Gabourey Sidibe, pero sobre todo por su amiga Meryl Streep.

En Mejor Director hizo historia que el premio se lo llevara una mujer, Kathryn Bigelow con 'The Hurt Locker'. Su ex esposo, James Cameron, Quentin Tarantino, Lee Daniels, Jason Reitman se conformaron con la nominación.

Rompiendo los pronósticos de 'Avatar' con un imponente éxito en taquilla, 'The Hurt Locker' fue la Mejor Película de los Oscar 2010. La cuarta película que trata el tema bélico y se gana un Oscar.

Via Celestrellas.

Ganadores de los Spirit Awards 2010

2010-03-06T15:12:00.001Z

El drama 'Precious', gran vencedora de la 25 edición de los premios del cine independiente al hacerse con los cinco premios a los que aspiraba: mejor película, director, guión novel y los dos de interpretación femeninos. Jeff Bridges confirma su favoritismo para el Oscar al sumar un nuevo galardón por 'Corazón Rebelde', mientras que Woody Harrelson se hizo con el de actor secundario por 'The Messenger'. Cade matizar, para evitar malentendidos, que 'En Tierra Hostil' ya participó en estos premios en la edición del año pasado, en la que optó a dos premios de interpretación sin premio alguno para Jeremy Renner (también nominado al Oscar) y Anthony Mackie. Tras el salto, el listado completo con los ganadores.

Mejor Película:

'Precious', de Lee Daniels

Mejor Dirección:
Lee Daniels por 'Precious'

Mejor Actor:
Jeff Bridges por 'Corazón Rebelde'

Mejor Actriz:
Gabourey Sidibe por 'Precious'

Mejor Actor de Reparto:
Woody Harrelson por 'The Messenger'

Mejor Actriz de Reparto:
Mo'Nique por 'Precious'

Mejor Película Novel:
'Corazón Rebelde', de Scott Cooper

Mejor Película Extranjera:
'An Education', de Lone Scherfig

Mejor Guión Original:
Scott Neustader y Michael H. Weber por '(500) Días Juntos'

Mejor Guión Novel:
Geoffrey Fletcher por 'Precious'

Mejor Fotografía:
Roger Deakins por 'Un Tipo Serio'

Mejor Documental:
'Anvil! The Story of Anvil' , de Sacha Gervasi

John Cassavetes Award:
'Humpday' , de Lynn Shelton

Robert Altman Award:
Ethan Coen, Joel Coen, Ellen Chenoweth, Rachel Tenner, Richard Kind, Sari Lennick, Jessica McManus, Fred Melamed, Michael Stuhlbarg y Aaron Wolff por 'Un Tipo Serio'

Piaget Producers Award:
Karin Chien ('The Exploding Girl', 'Santa Mesa')

Acura Someone to Watch Award:
Kyle Patrick Alvarez ('Easier with Practice')

Chaz and Roger Ebert Truer than Fiction Award:
Bill Ross y Turner Ross ('45365')

Sacha Baron Cohen fuera de la gala de los Oscars

2010-03-05T19:21:00.003Z

El actor británico Sacha Baron Cohen no formará parte del grupo de artistas que se presentarán en la edición número 82 de los premios Oscar durante la ceremonia del próximo 7 de marzo, según ha informado 'Los Ángeles Times'.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood descartó al comediante porque no aprobaba una parodia que Cohen iba a realizar junto a Ben Stiller de la cinta 'Avatar', nominada al Oscar. Según la Academia, el 'gag' provocaba "diferencias creativas".

Según el diario californiano, Cohen iba a desfrazarse como una hembra del pueblo Na'vi que abre su traje de fiesta para revelar que está embarazada. Luego denuncia que el padre de la criatura es James Cameron, director de 'Avatar'.

El productor de la ceremonia Bill Mechanic temió que a Cameron no le gustara la broma e instó a Cohen a cambiarla, según el diario. La Academia confirmó que Cohen ya no es parte de la lista de presentadores. Steve Martin y Alec Baldwin son los comediantes elegidos para la ceremonia.

El año pasado durante la entrega de los premios MTV, Cohen ya ejecutó una pesada pero calculada broma al cantante Eminem. Cohen entró en el auditorio colgado por cables, ataviado con muy poca ropa y simulando a un ángel, para después caer sobre el rapero con el trasero en su rostro.

vía El Mundo

Se acerca el 11º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria

2010-02-24T05:26:00.003Z

CATORCE PELÍCULAS COMPITEN POR LA LADY HARIMAGUADA DE ORO DEL 11º FESTIVAL DE CINE DE LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

Europa y Asia se confirman actualmente como los continentes con una producción cinematográfica de gran interés para el certamen

Catorce películas podrán verse por primera vez en nuestro país, avaladas en su mayoría por festivales de prestigio, dentro de sección oficial del 11º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria (12 - 20 de marzo próximos). Una de ellas es, además, estreno en Europa: A White Night / Byakuya, del realizador japonés Masahiro Kobayashi. Este título, junto a los otros trece seleccionados, competirá dentro de tres semanas en nuestra ciudad por el galardón del certamen, la Lady Harimaguada de Oro.

Dentro de esta sección oficial hay que destacar también la participación de realizadores que ya han visitado nuestro festival, como el mencionado Masahiro Kobayashi, el filipino Brillante Mendoza, el israelí Lior Shamriz o el argentino Matías Piñeiro.

A White Night / Byakuya (Japón, 2009) de Kobayashi es como se señalaba anteriormente estreno en Europa, y una de las tres películas seleccionadas por el festival procedentes del continente asiático, cinematografía a la que el certamen otorga un especial interés. At The End of Daybreak /Sham Moh (Malasia / República de Corea / Hong Kong, 2009) es obra del malayo Ho Yuhang (Rain Dogs y Sanctuary) y ha formado parte de la selección oficial en los Festivales de Locarno (2009) y Rotterdam (2010). Asimismo, ha recibido el Premio a la Mejor Actriz en el Taipei Golden Horse Film Festival 2009 y ha obtenido dos nominaciones a los Asian Film Awards. La tercera película procedente de Asia es el drama romántico Paju (República de Corea, 2009) de la directora Park Chan-ok. Paju fue la película de inauguración del reciente Festival Internacional de Cine de Rotterdam, así como Premio del Jurado NETPAC (Network for the Promotion of Asian Cinema) del Festival de Pusan (Corea) el pasado año.

El festival ha dedicado en sus últimas ediciones especial atención al cine realizado en Rumanía. De este país procede la película First of All, Felicia / Felicia Inainte de Toate, de Melissa de Raaf y Razvan Radulescu, ganadora del Premio Cineuropa en el Festival de Estoril del año pasado. Radulescu es el guionista de The Paper Will Be Blue (Lady Harimaguada de Plata, 2007) y Boogie (Sección Oficial en Las Palmas de Gran Canaria, 2008), ambas dirigidas por Radu Muntean.

Una coproducción europea forma parte también de la sección oficial, Villa Amalia (Benoit Jaquot, Francia / Italia, 2009) protagonizada por Isabelle Huppert y que ha concursado en Cannes, Londres y Karlovy Vary. Más títulos integran la nómina de las producciones europeas participantes: Ne Change Rien (Pedro Costa, Portugal, Francia, 2009), también participante en la selección oficial de la Quincena de los Realizadores de Cannes 2009, Nueva York 2009 y Rotterdam 2010; Irène (Francia, 2009) del veterano cineasta Alain Cavalier (Le filmeur, Thérèse), que se exhibió en la selección Oficial de la Quincena de los Realizadores de Cannes 2009 y del Festival de Toronto 2009; y la comedia Contact High (Austria / Alemania / Polonia / Luxemburgo, 2009) de Michael Glawogger, seleccionada el pasado año por los festivales de Karlovy Vary y Varsovia.

Dos realizadores, participantes en ediciones pasadas del Festival de Las Palmas de Gran Canaria adonde vinieron además a defender su película, concursan en 2010 con sendas coproducciones, el filipino Brillante Mendoza, autor de Foster Child (Premio Signis en Las Palmas 2008), opta a premio en 2010 con la película Lola (Francia, Filipinas, 2009), seleccionada el Venecia 2009 y con tres nominaciones a los Asian Film Awards en las categorías de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Montaje; el israelí Lior Shamriz (Japan Japan, selección oficial en Las Palmas 2008), participa en esta edición con Saturns Returns (Israel / Alemania, 2009), nominada al Premio Max Ophuls del Festival de Turín 2009. Una película de habla hispana, la argentina Todos mienten, es la perteneciente a otro realizador ya conocido por el festival, Matías Piñeiro. Todos mienten participó en 2009 en la selección 'Cineastas del presente' en Locarno y en la sección oficial del Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI). Piñeiro es el director de El hombre robado (Premio José Rivero al Mejor Nuevo Director en Las Palmas, 2008).

El cine independiente realizado en Estados Unidos cuenta con un representante en la sección oficial, Paper Heart, de Nicholas Jasenovec, una película que ha obtenido el premio al Mejor Guión en el Festival de Sundance 2009 y que se mueve a caballo entre la comedia romántica y el documental. The Legacy / La Donation es el título de la película canadiense participante en el certamen. Dirigida por Bernard Émond, ha obtenido tres premios en Locarno y uno en Toronto.

My Teheran for Sale, una coproducción firmada por la directora iraní Granaz Moussavi cierra la lista de películas que integran la 11ª edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. La película ha participado ya en la selección oficial del Festival Une état du monde… et du cinéma 2010.

En el apartado de cortometrajes, los seleccionados por el comité del certamen para su participación en la sección oficial son: Castillo / News Workshop (Jorge Tur Moltó, España, 2009, 15 min.), Edge of the Desert (Lea Nakonechny, Canadá, 2009, 17 min.), En el insomnio (José Ángel Alayón, España, 2010, 5 min.), I Need a Long-Long Time / Ja Hochu Zhit’ Dolgo-Dolgo (Stas Kononov, Rusia, 2009, 18 min.), La Nochebuena de Paco y Manolo (Alejandro Furth, EEUU / Venezuela, 2009, 12 min.), Left Right / Aristera Dexia (Argiris Germanidis y Stavros Raptis, Grecia, 2009, 14 min.), No Name / Nenhum Nome (Gonzalo Waddington, Portugal, 2010, 25 min.), Rita (Fabio Grassadonia y Antonio Piazza, Italia, 2009,18 min.), Tag / Pyatnashki (Natalia Uglitskikh, Rusia, 2009), A Montanha Magigca / The Magic Mountain (Petrus Cariry, Brasil, 2009, 13 min.), The Moment / Shi Ke (Wong Men Hoy, China, 2009, 12 min.), The Mourning of The Merry Storck / Le Deuil de la Cigogne Joyeuse (Eileen Hofer, Suiza, 2009, 15 min.) y Voodoo (Sandro Aguilar, Portugal, 2009, 30 min.).

Dos estrenos absolutos

El 11º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria cuenta así mismo con el estreno absoluto de dos películas españolas. Por un lado, la presentación dentro de la sección informativa, compitiendo por el premio José Rivero al mejor nuevo realizador, del título Holydays, de Víctor Moreno, una producción canaria dirigida por el autor del corto El extraño (Gran Premio del Jurado a la Mejor Película en Notodofilmfest, 2009).

El segundo estreno es Tensión sexual no resuelta, de Miguel Ángel Lamata, una película que se presentará como sesión especial, y que cuenta entre sus actores con Norma Ruiz, Joaquín Reyes, Salomé Jiménez, Pilar Rubio, Miguel Ángel Muñoz, Fele Martínez, Amaia Salamanca, Michelle Jenner y Santiago Segura.

Vía Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria

Precious

2010-02-22T08:35:00.002Z

Precious es el paradigma más evidente de persona rechazada por la sociedad: afroamericana con obesidad mórbida que vive en uno de los barrios más pobres de Nueva York deseando una vida que no puede llevar a no ser que tome medidas radicales. Además ha sufrido abusos físicos por parte de su padre y contínuos abusos psicológicos por parte de la madre. Su vida no puede ser más negativa: las violaciones del padre la han provocado dos embarazos, y todo ello con tan sólo 16 años.
La crudeza de la película es un elemento que impera durante todo el metraje, con contínuos obstáculos que se presentan en el camino de la protagonista. No quiero entrar a valorar la novela en la que se basa, que no he leído pero que parece ser mucho más dura que la cinta de Daniels. A pesar de ello el filme nos expone desde el primer momento la lucha diaria que vive Precious para continuar con su vida y para llevar una existencia lo más normal posible. Esta crueldad y ensañamiento con el personaje principal recuerda a otro largometraje anterior, Princess (Anders Morgenthaler, 2006), donde una niña pequeña que siempre ha vivido su corta existencia con su madre prostituta ya ha asimilado los abusos sexuales como algo normal en su vida. Sin embargo en Precious no se llega a ese extremo: ella es consciente de que la vida que lleva no es la de una persona normal, tiene sueños y metas en la vida pero también tiene demasiado miedo como para enfrentarse a sus problemas.
Pese a que no hay un trabajo narrativo demasiado trabajado, si podemos encontrar unos personajes más elaborados, aunque el guión tampoco explota todas las posibilidades que le ofrece la historia. Puesto que todo el argumento gira en torno a Precious, ella sí que está perfectamente delimitada, con una psicología compleja puesto que se ha visto obligada a vivir situaciones nada agradables y porque contínuamente está sufriendo los descalificativos de su madre. Gabourey Sidibe realiza un papel más que digno, especialmente para una debutante, y sobre todo porque no era nada fácil interpretar a un personaje así. Sin embargo, en el duelo que se da entre ella y su madre, claramente sale victoriosa su progenitora, interpretada por Mo'Nique.
Ésta realiza un papel realmente bueno, sobre todo porque no interpreta a un personaje con el que el espectador se pueda indentificar (aunque habrá gente que lo haga) o que despierte la simpatía del público, sino todo lo contrario: desde el primer momento en el que aparece nos podemos dar cuenta de que la penosa situación en la que se encuentra Precious es debida, principalmente, a la madre y a su pasividad ante los abusos del padre, a los que posteriormente se une. El monólogo final de la madre, donde narra los primeros abusos que realizó su marido a la niña, delante de la propia Precious y de la asistente social intepretada por Mariah Carey, no puede dejar indiferente a nadie. Y no es sólo por lo bien que lo hace la actriz, sino por los hechos que cuenta y los cambios emocionales que sufre durante la narración. Es una escena que pone los pelos de punta a cualquiera.

La grandeza del Sapo

2010-02-20T22:40:00.003Z

Decía Walt Disney que en sus películas cada sonrisa debía estar conectada a una lágrima. “Tiana y el sapo” cumple ese cometido al completo. Estamos ante la película mas redonda de la factoría desde la genial “La Bella y la Bestia”, de la que pronto estrenaran su versión 3D.

Pese a la simpleza del relato, la película juega con un engranaje fílmico perfecto en el que cada acción tiene su justa reacción. Es una maquinaria de precisión que no puede dejar indiferente a ningún espectador, sea cual sea su edad.

El problema de las últimas producciones Disney radicaba en el nulo intento por aunar a papis y nenes en unos guiones anodinos donde nunca conseguían la mezcla perfecta. O se quedaban cortos y les nacía una imbecilidad del tamaño de “Little Chicken” y “Zafarrancho en el rancho” o se excedían con ”Wall-E” (que me gusta pero no me convence).

Historias paralelas como la de Evangeline o el caimán trompetista son pequeñas joyas poéticas en un musical trepidante a ritmo de jazz sureño. La idea de ambientar la historia en Nueva Orleans, incluso sus cementerios y sus rituales mágicos me parece una de las ideas más brillantes de la factoría. En ningún otro escenario hubiera funcionado esta historia.

El villano, el Dr. Facilier entra por meritos propios en la gran galería de supervillanos Disney. Además, aunque he sido paladín contrario a los doblajes españoles, la voz de Javier Gurruchaga y su estilo jazzman no hacen sino engrandecer el personaje. La partitura de Randy Newman es maravillosa, creando un estilo muy próximo al de “El libro de la Selva” pero muchísimo mas rica en matices.

Volvemos a la animación 2-D con la inocencia de un niño y durante hora y media no dejamos de esbozar una estupida media sonrisa. Tiana y el Sapo es un autohomenaje de Disney y la muestra de que para contar una gran historia no hacen falta los artificios del 3D. Los directores John Musker y Ron Clements han vuelto a dar con la clave. Grande, grandisima.

Calificación 8/10

Roman Polanski logra el Oso de Plata de la Berlinale

2010-02-20T21:19:00.006Z

La película turca Bal, de Semith Kaplanoglu, ha ganado hoy el Oso de Oro de la 60 Berlinale, que le ha dado el Oso de Plata al mejor director a Roman Polanski, por The Ghost Writer, ausente de la ceremonia y del festival al estar bajo arresto domiciliario en Suiza. Polanski, cuya inclusión a competición fue interpretada como un gesto hacia el colega en dificultades por sus cuentas pendientes con la justicia de EEUU, ha obtenido el galardón por su film sobre el negro Ewan McGregor, que escribe las memorias del expremier británico y descubre una trama sobre los secuestros de la CIA en Irak. Bal, tercer filme del mencionado director turco sobre Anatolia, es una película poética, hecha de silencios, sobre un niño que sólo habla con fluidez a susurros con su padre, que un buen día queda suspendido de la rama de un árbol, en un bosque, cuando va a recoger la miel de sus colmenas.

Apoyo a un joven realizador rumano

El jurado de la Berlinale, presidido por Werner Herzog, se ha volcado asimismo hacia la película del joven realizador rumano Florian Serban Eu cand vreau sa fluier, que se ha llevado el Gran Premio Especial y además el Alfred Bauer, en memoria del fundador del festival. El Oso de Plata a la mejor actriz fue para la japonesa Shinobu Terajima, por su desgarradora interpretación en el durísimo film Caterpillar, de Koji Wakamatsu, en el papel de la abnegada esposa de un soldado japonés que regresa de la guerra. La Plata al mejor Actor fue, compartida, para el dúo de actores formado por Grigoru Dobrygin y Sergei Puskepalis, por su trabajo en Kak ya Provel etim letom, la película de Alexei Popogrebsky que discurre en el círculo polar ártico y se basa exclusivamente en el papel de esos dos protagonistas. El filme ruso, primero en años procedente de ese país a concurso en la Berlinale, ha ganado asimismo otra Plata a la mejor contribución artística por el trabajo de su cámara, Pavel Kostomarov.

El cine europeo y de EEUU se queda sin premios

Fuera del caso de Polanski, el palmarés del festival berlinés se fue así casi íntegramente a cinematografías lejanas y dejó de vacío a los títulos procedentes de Europa y EEUU. El cine anfitrión sólo ha rozado el Oro, por su carácter de co-productor de Bal. Ha sido una ceremonia sobria, más incluso de lo que suele ser de por sí la gala de clausura de la Berlinale, tras una edición de cumpleaños que quedó empañada por la parca presencia de grandes astros, ya que el máximo representante llegado de Hollywood, Leonardo DiCaprio, acudía además con una película fuera de concurso, Shutter Island, de Martin Scorsese.

Homenajes y proyección de 'Metrópolis'

El punto máximo no ha sido, sin embargo, ninguna estrella o película actual, sino la proyección del mítico Metrópolis de Fritz Lang ante la Puerta de Brandeburgo, a varios grados bajo cero y en versión restaurada a partir de una copia de 1927, casi íntegra, hallada dos años atrás en el Museo del Cine de Buenos Aires. La 60 Berlinale ha homenajeado, además, con sendos Osos de Oro de Honor a una de las divas más internacionales del cine alemán Hanna Schygulla y al guionista Wolfgang Kohlhaase, autor histórico desde tiempos de la extinta Alemania comunista y aún en activo.

Palmarés de la 60º Berlinale

Oso de Oro: ‘Bal’ de Semih Kaplanoglu.

Gran premio del Jurado: ‘If I Want To Whistle, I Whistle’ de Florin Serban.

Oso de Plata al mejor director: Roman Polanski, por ‘The Ghost Writer’.

Oso de Plata al mejor actor: Ex-aequo a Grigori Dobrygin y Sergei Puskepalis, por `How I Ended This Summer.

Oso de Plata al mejor actriz: Shinobu Terajima, por ‘Caterpillar’.

Oso de Plata al mejor contribución artística o técnica: Pavel Kostomarov, por su fotografía para ‘How I Ended This Summer’.

Oso de Plata al mejor guión: Wang Quan’an y Na Jin, por ‘Tuan Yuan’.

Premio Alfred Bauer: ‘If I Want to Whistle, I Whistle’, de Florin Serban.

Premio FIPRESCI

· Sección oficial: ‘En Familie’, de Pernille Fischer Christensen.

· Panorama: ‘Parade’, de Isao Yukisada.

· Forum: ‘El Vuelo del Cangrejo’, de Oscar Ruíz Navia.

Via Agencia Efe

Grandes Frases de Antonio Gasset en Días de Cine

2010-02-20T20:49:00.006Z

“Llega el momento de la publicidad, disfrutad del cine si podéis. Si no, también tenéis la música, la literatura o incluso la historia, a no ser que queráis ser presidente del Gobierno.”

“Servidor se confiesa seguidor de Philip K. Dick, quizás por ello me he convertido en un trastornado.”

“Jeunet es el director de ese engendro, película para algunos (estaban equivocados), ladrillo para otro (estábamos en lo cierto) que fue Amelie.”

“Ahora vamos con "El señor de los anillos", película basada en un famosísimo libro... que yo no me he leído. Sin embargo, les diré como anécdota, que algunos de mis amigos tienen, en una estantería totalmente vacía, junto con su foto de sus vacaciones en Calasparra, un ejemplar de “El señor de los anillos”.”

“Lo mejor del festival de Venecia, mi acompañante, aunque por desgracia este enamorada de otro.”

“Soy consciente que a la hora de emisión de mi programa solo puede ser visto por un puñado de poli toxicómanos insomnes.”

“Tan guapa actriz como mala la película que ha venido a promocionar.”

“Ben Affleck es a la buena interpretación lo que un pepinillo cocido a la alta cocina.”

“Se estrena estos días la película El último samurai, protagonizada por el ex-marido de Nicole Kidman, único dato destacable de este actor llamado Tom Cruise.”

“Para ir al cine con esta cartelera hay que tener cociente intelectual negativo.”

“Veamos el reportaje de Mar adentro que ha realizado mi compañero y amigo Alberto Bermejo, el único de todo el equipo al que le ha gustado la película.”

“Nunca se fíen de algo que sangra durante cuatro días y no se muere.”

“Y ahora, si nos perdonan, vamos a hablar de cine español.”

“Es incuestionable que Kill Bill es una virtuosa obra de dirección. Lo que es cuestionable es si es algo más.”
“Sé que aguantaran a estas altas horas de la noche el momento de publicidad ya que al regreso tenemos un especial del salón del cine erótico de Barcelona….”

“¿Qué seria de nosotros sin un país inteligente como es Francia?”

"Buenas noches a todos, pero antes de despedirnos, un consejo: no os droguéis, porque la ingesta de estas sustancias puede producir efectos indeseados. Un amigo mío se tomó el otro día cierta pastilla y creyó ver a George Bush leyendo un libro".

“Y llegamos a la pausa en este programa del que tan orgullosos nos sentimos. No así de algunas compañeras de la 7ª planta de Torrespaña que fuman saltándose la norma que tanto nos beneficia a todos.”

“Les deseo que pasen una buena semana, sea lo que sea lo que hayan decidido hacer, incluso si es de Nazareno auto flagelante.”

“Aprovechen la pausa para revisar su agenda de amigos, encontrarán que han malgastado su preciado tiempo y paciencia en conocer a un montón de ineptos, no se corten, cojan un boli y táchenlos.”

“Durante la pausa publicitaria, rezaré con la esperanza de que ninguno de sus hijos se haya presentado al casting de Operación Triunfo.”

“Nos vamos con la esperanza de que ninguno se deje llevar por los fanatismos religiosos, políticos o sexuales: los primeros por no llevar a nada, los segundos porque el objeto de deseo suele ser un idiota de renombre y los últimos por las continuas frustraciones.”

“Antes de despedirme, felicitar a todos los barcelonistas por el reciente titulo de liga conseguido por mi equipo. En esta vida hay pocas cosas tan grandes como el Barcelona.”

“Llego la pausa, evitar cambiar de canal en estos minutos no vaya a ser que os encontréis con esa mujer con ansias de fama, exhibiéndose en publico, justificando un frío asesinato”. (Se refería a la mujer que ayudo a morir a Ramón Sampedro, reconociendo su responsabilidad en un programa de la tele).

“Llego la hora de la pausa... espero que puedan contener durante unos minutos los impulsos sexuales de vuestras parejas... si no puede ser, no puede ser... en cualquier caso volveremos después de la publicidad con el sector mas casto de la audiencia.”

“Vamos a una pausa publicitaria, que será tan corta como el sueldo del presentador.”

“Hasta el próximo programa. No sabemos ni qué día ni a qué hora nos pondrán, de modo que estén atentos.”

“Sed buenos, y si por lo que fuera no podéis, seguid siendo malos, la diferencia es mínima.”

“Quiero aprovechar, como amante de la Fórmula 1, para felicitar al corredor alemán Michael Schumacher por su triunfo en el Gran Premio de San Marino. Da gusto ver en lo más alto del podium a personas ni fatuas, ni engreídas, ni desagradecidas. Espero que continúe la racha.”

“Hola, buenas noches. Hoy les hablo desde Torrespaña en Madrid, más conocido como el pirulí, que con su forma fálica es un símbolo de la modernidad de esta ciudad. Como modernas también son las vidrieras de la Catedral de la Almudena y las pinturas del altar de un tal Kiko no sé qué. Por cierto, igual de horribles que algunas películas.”

“Cuando vuelvan de la publicidad me habré desnudado y me tiraré al mar (En Cannes)”. Evidentemente a la vuelta de la publicidad dio su explicación: "Era un patético intento por mantener la audiencia.....”

“La verdad es que hay días que no sé dónde refugiarme políticamente.”

“Ahora pueden ustedes hacer un montón de cosas aprovechando los interminables minutos de publicidad.”

Via Mi blog.

An Education

2010-02-20T15:48:00.002Z

El motivo de que An Education se encuentra entre las mejores del año es porque se trata de una película completa: magistral guión, muy buenos personajes, geniales interpretaciones, y una realización extremadamente minuciosa, por no hablar de la cuidada fotografía. Puede parecer en un principio que la historia ya la hemos visto: una joven que vive para estudiar porque su colegio y su conservadora familia la obligan a ello, aunque ella tiene unas ambiciones mucho mayores. Así conoce a un hombre adulto que la da todo lo que ella desea, todo lo que no la puede dar nadie más y con el que puede cumplir sus deseos, con lo que abandona su anterior vida para dedicarse a la nueva. Por supuesto la película no se queda ahí, hay mucha más historia y mucho más compleja que no voy a contar en este escrito para no destripar nada de la trama.
La actriz de 24 años Carey Mulligan, que ya pudimos ver en Orgullo y Prejuicio (Joe Wright, 2005), es la protagonista absoluta de la cinta. Todo lo que ocurre gira en torno a ella: los secundarios, tanto familia, amigos y el colegio, se subordinan a las experiencias que vive la inteligentísima Jenny y a sus altibajos. El arco de transformación que vive a lo largo de la película, por la gran variedad de situaciones que experimenta, también es un punto muy a tener en cuenta del guión, puesto que no se limita a los aspectos más superficiales de su psicología sino que bucea en los sentimientos más profundos de Jenny para conseguir una historia más compleja. Pese a su juventud parece que a Mulligan no la importa llevar todo el peso de la película y ser el faro que guía a los demás. Sin embargo el guión habría quedado demasiado cojo si sólo se hubiera trabajado al personaje principal relegando el resto de secundarios a meros estereotipos. Este no es el caso: todos ellos están perfectamente definidos para construir una base sólida sobre la que levantar el resto de la cinta.
También es muy interesante observar cómo los personajes que no cambian durante toda la película sí que logran modificar a otros que, a priori, podíamos pensar que nunca evolucionarían. Se puede entender que hasta las ideas más tradicionales y de mayor calado en algunas personas, pueden cambiar si se encuentran los motivos necesarios. La evolución de algunos personajes es otro de los puntos capitales del guión, especialmente porque se hace de una manera muy natural y prácticamente evidente, sin forzar las situaciones ni crear escenas innecesarias para el conjunto.
Si partimos de estas escenas podremos observar otro prodigio que no es muy habitual encontrar en una película no ya actual, sino en general: en An Education no sobra ni falta nada, cada situación tiene su razón de ser y sirve a un bien común que es el conjunto de la película, siempre con el objetivo de tratar un buen argumento. Es evidente que tanto el guionista como la directora tenían muy claro cuál era la historia que querían contar y cuáles son los efectos que quieren producir en el espectador, lo que desde luego consiguen de manera brillante. Esto es algo muy de agradecer porque no nos encontramos cintas así todos los días y merece una mención aparte porque An Education es una película compleja, que toca temas muy diferentes y adultos pero que lo hace de manera magistral, introduciéndose en ellos hasta el punto justo, sin quedarse en un plano superficial pero tampoco excavando hasta el aburrimiento. Esto genera la gran variedad de situaciones que hace destacar la película y sobre todo que la hacen muy fácil de ver y de seguir: atrapa al espectador desde el primer momento y no lo deja escapar hasta el final.

Penélope Cruz se equivoca una vez mas.

2010-02-18T14:33:00.002Z

Penélope Cruz y Lars von Trier han estado a punto de ser la pareja cinematográfica de 2010. Pero por un problema de fechas, por la coincidencia de los rodajes en verano de Piratas del Caribe IV y de Melancholia, la actriz española no trabajará a las órdenes del cineasta danés, que para unos es un genio de la imagen y para otros, un maestro del marketing.

La historia comienza hace dos años, cuando Cruz, admiradora del creador del movimiento Dogma, se puso a su servicio. Y Von Trier, también seguidor de la ganadora del Oscar, decidió escribir un guión para ella. El resultado es Melancholia, un título que hace referencia a un enorme planeta que se acerca peligrosamente a la Tierra, lo que supondría, obviamente, el fin del mundo. Suena a película de catástrofes, pero no será así: Von Trier ha preferido escudriñar en el drama de los personajes, porque, como el mismo director asegura, mostrará "una visión psicológica del desastre".

En Berlín, quienes han leído el guión aseguran que es difícil no ver a Penélope Cruz en el personaje, que habrá que reescribir en parte. Los otros tres actores principales sí están contratados.

Ganadores de los Goya 2010

2010-02-14T23:54:00.002Z

Mejores efectos especiales

* Chris Reynolds, Félix Bergés por 'Ágora'

* Raúl Romanillos, Guillermo Orbé por 'Celda 211'

* Salvador Santana, Álex Villagrasa por '[REC] 2'

* Pau Costa, Lluís Castells por 'Spanish movie'

Mejor canción original

* Agallas vs. Escamas por 'Agallas'

* Stick to the Man por 'Planet 51'

* Spanish Song por 'Spanish movie'

* Yo también por 'Yo, también'

Mejor música original

* Darío Marianelli por 'Ágora'

* Roque Baños López por 'Celda 211'

* Federico Jusid por 'El secreto de sus ojos'

* Alberto Iglesias por 'Los abrazos rotos'

Mejor interpretación masculina de reparto

* Carlos Bardem por 'Celda 211'

* Antonio Resines por 'Celda 211'

* Ricardo Darín por 'El baile de la Victoria'

* Raúl Arévalo por 'Gordos'

Mejor fotografía

* Álex Catalán por 'After'

* Xavi Giménez por 'Ágora'

* Carles Gusi por 'Celda 211'

* Félix Monti por 'El secreto de sus ojos'

Mejor dirección artística

* Guy Hendrix Dyas por 'Ágora'

* Antón Laguna por 'Celda 211'

* Verónica Astudillo por 'El baile de la victoria'

* Marcelo Pont por 'El secreto de sus ojos'

Mejor maquillaje y/o peluquería

* Jan Sewell, Suzanne Stokes-Munton por 'Ágora'

* Raquel Fidalgo, Inés Rodríguez por 'Celda 211'

* José Antonio Sánchez, Paquita Núñez por 'El cónsul de Sodoma'

* Ana Lozano, Massimo Gattabrusi por 'Los abrazos rotos'

Mejor diseño de vestuario

* Gabriella Pescucci por 'Ágora'

* Lala Huete por 'El baile de la victoria'

* Cristina Rodríguez por 'El cónsul de Sodoma'

* Sonia Grande por 'Los abrazos rotos'

Mejor actor revelación

* Alberto Ammann por 'Celda 211'

* Fernando Albizu por 'Gordos'

* Gorka Otxoa por 'Pagafantas'

* Pablo Pineda por 'Yo, también'

Mejor cortometraje de animación

* 'Alma' de Rodrigo Blaas

* 'La Dama y la Muerte' de Javier Recio Gracia

* 'Margarita' de Álex Cervantes

* 'Tachaaan' de Carlos del Olmo, Miguel Ángel Bellot, Rafael Cano

Mejor película de animación

* 'Animal Channel' de Extremadura de Audiovisuales, S.A.

* 'Cher ami' de Acció, Digital Dreams, S.L., Euroview, Mes Films Inversions, S.L., Televisió de Catalunya, S.A.

* 'Pérez, el ratoncito de tus sueños 2' de Castelao Productions, Patagonik Film Group.

* 'Planet 51' de Antena 3 Films, S.L., Chuck & Lem, S.L., HandMade Films Limited, Ilion Studios, S.L.

Mejor interpretación femenina de reparto

* Marta Etura por 'Celda 211'

* Vicky Peña por 'El cónsul de Sodoma'

* Pilar Castro por 'Gordos'

* Verónica Sánchez por 'Gordos'

Mejor dirección de producción

* José Luis Escolar por 'Ágora'

* Alicia Tellería por 'Celda 211'

* Cristina Zumárraga por 'Che. Guerrilla'

* Eduardo Castro por 'El baile de la victoria'

Mejor sonido

* Peter Glossop, Glenn Freemantle por 'Ágora'

* Sergio Burmann, Jaime Fernández, Carlos Faruolo por 'Celda 211'

* Pierre Gamet, Nacho Royo-Villanova, Pelayo Gutiérrez por 'El baile de la Victoria'

* Aitor Berenguer, Marc Orts, Fabiola Ordoyo por 'Mapa de los sonidos de Tokio'

Mejor cortometraje de ficción

* 'Dime que yo' de Mateo Gil

* 'Lala' de Esteban Crespo García

* 'La Tama' de Martín Costa

* 'Terapia' de Nuria Verde

Mejor cortometraje documental

* 'Doppelgänger' de Óscar de Julián

* 'En un lugar del cine' de Eduardo Cardoso

* 'Flores de Ruanda' de David Muñoz López

* 'Luchadoras' de Benet Román

Mejor película documental

* 'Cómicos' de Dacsa Produccions, La voz que yo amo, La Zanfoña Producciones, S.L.

* 'Garbo, el hombre que salvó el mundo' de Centuria Films, Colosé Producciones, Ikiru Films.

* 'La mirada de Ouka Leele' de Rafael Gordon.

* 'Últimos testigos: Fraga Iribarne-Carrillo, comunista' de Morena Films.

Mejor interpretación masculina protagonista

* Luis Tosar por 'Celda 211'

* Ricardo Darín por 'El secreto de sus ojos'

* Jordi Mollá por 'El cónsul de Sodoma'

* Antonio de la Torre por 'Gordos'

Mejor dirección novel

* David Panell por 'La vergüenza'

* Borja Cobeaga por 'Pagafantas'

* Mar Coll por 'Tres días con la familia'

* Antonio Naharro, Álvaro Pastor por 'Yo, también'

Mejor película hispanoamericana

* 'Dawson Isla 10', de Miguel Littin (Chile)

* 'Gigante' de Adrián Biniez (Uruguay)

* 'El secreto de sus ojos' de Juan José Campanella (Argentina)

* 'La teta asustada' de Claudia Llosa Bueno (Perú)

Mejor película europea

* 'Bienvenidos al norte' de Dany Boon (Francia)

* 'Déjame entrar' de Tomas Alfredson (Suecia)

* 'La clase' Laurent Cantet (Francia)

* 'Slumdog Millonaire' de Danny Boyle (Reino Unido)

Mejor actriz revelación

* Blanca Romero por 'After'

* Soledad Villamil por 'El secreto de sus ojos'

* Leticia Herrero por 'Gordos'

* Nausicaa Bonnin por 'Tres días con la familia'

Mejor guión original

* Alberto Rodríguez Librero, Rafael Cobos por 'After'

* Mateo Gil, Alejandro Amenábar por 'Ágora'

* Daniel Sánchez Arévalo por 'Gordos'

* Pedro Almodóvar por 'Los abrazos rotos'

Mejor guión adaptado

* Daniel Monzón, Jorge Gerricaechevarría por 'Celda 211'

* Fernando Trueba, Antonio Skarmeta, Jonás Trueba por 'El baile de la Victoria'

* Joaquín Górriz, Miguel Dalmau, Sigfrid Monleón, Miguel Ángel Fernández por 'El cónsul de Sodoma'

* Eduardo Sacheri, Juan José Campanella por 'El secreto de sus ojos'

Mejor montaje

* Nacho Ruiz Capillas por 'Ágora'

* Mapa Pastor por 'Celda 211'

* Carmen Frías por 'El baile de la victoria'

* Nacho Ruiz Capillas, David Pinillos por 'Gordos'

Mejor interpretación femenina protagonista

* Rachel Weisz por 'Ágora'

* Penélope Cruz por 'Los abrazos rotos'

* Maribel Verdú por 'Tetro'

* Lola Dueñas por 'Yo, también'

Mejor dirección

* Alejandro Amenábar por 'Ágora'

* Daniel Monzón por 'Celda 211'

* Fernando Trueba por 'El baile de la Victoria'

* Juan José Campanella por 'El secreto de sus ojos'

Mejor película

* 'Ágora' de Himenóptero, S.L., Mod Producciones, S.L., Telecinco Cinema, S.A.U.

* 'Celda 211' de Morena Films, Telecinco Cinema S.A.U., Vaca Films.

* 'El baile de la Victoria' de Fernando Trueba PC, S.A.

* 'El secreto de sus ojos' de 100 Bares, El Secreto de Sus Ojos A.I.E., Haddock Films, Tornasol

En Tierra Hostil

2010-02-10T22:38:00.004Z

Bigelow nos plantea una propuesta no demasiado original: los soldados en la guerra de Irak y cómo les afecta el conflicto. Sin embargo su estética, su cuidada puesta en escena, su sólido guión y sus personajes suficientemente realistas, son elementos que sustentan por si solos la cinta y le elevan a cotas mayores que otras anteriores. Desde el primer minuto el espectador se olvida de que se encuentra en una sala de cine: el estilo, rozando el documental, nos sumerje inmediatamente en la vida de los soldados y en particular en el grupo de artificieros protagonistas y sus constantes operaciones al filo de la muerte. Bigelow sabe tratar muy bien al espectador en todo momento, calculando cada plano para que no se pueda evadir de la película, lo que nos mantiene continuamente anclados a la butaca.
A esto ayuda el guión, escrito por Mark Boal, cuya ópera prima también trataba la guerra de Irak: En el Valle de Elah. El trato de los personajes, perfectamente individualizados nos ayudan aún más a integrarnos dentro de la historia y a acompañarlos como si fuésemos uno más del grupo. El trío protagonista se compone del artificiero que se encarga de desactivar cualquier artefacto explosivo y los dos soldados cuyo cometido es salvaguardarle en cada una de sus operaciones. El primero, protagonista principal de la película, se nos muestra como el perfecto ejemplo de la premisa que nombraba al principio: un ser humano normal y corriente al que la guerra le cambió, un adicto a los conflictos armados que no puede vivir otra vida que no sea la de un soldado en combate, la de un hombre que se juega su existencia a cada instante. Es muy interesante cómo se produce la conexión entre el trío protagonista cuando el personaje principal entra a formar parte del grupo: él es tremendamente temerario, algo que no pueden entender sus dos compañeros. Además uno de ellos es el ejemplo contrario: debe acudir al psicólogo para refrenar su miedo a la muerte y para intentar controlar sus temores, para así no poner en peligro a sus compañeros durante una expedición.
Pero si ya es difícil conseguir una relación realista entre personajes tan distintos, el mayor mérito del guión es conseguirlo en una situación límite como es una guerra. Aquí los sentimientos de cualquier persona no son los mismos que si vivieran sus vidas de forma cotidiana: el conflicto, el miedo, la violencia, la falta de escrúpulos, la total desvalorzación que sienten por la vida humana son temas constantes a lo largo de todo el metraje y todo ello mostrado de la manera más realista posible.
El ritmo que impone Bigelow desde el principio es realmente frenético: muy pocos son los momentos donde el espectador puede pararse a reflexionar, como tampoco tienen tiempo de hacerlo los soldados durante la guerra. Sin embargo estas escenas, que en algunos casos tienen su razón de ser, en otras sólo consiguen ralentizar el discurso de la película, sumergiendo al espectador en un estado de sopor muy diferente al ritmo que predomina el resto del metraje.
En Tierra Hostil no es la primera película, ni mucho menos, que trata el tema de la Guerra de Irak. Sin embargo es de las pocas cuyo planteamiento se presenta prácticamente neutral: ejemplos como Jarhead (Sam Mendes, 2005) o Redacted (Brian de Palma, 2007) toman un posicionamiento bastante evidente después de un primer visionado. Sin embargo Bigelow quiere huir de eso: no la interesa lo más mínimo la guerra en sí, pudiendo haber ambientado la historia en cualquier otro conflicto armado anterior. En lo que se quiere centrar es en sus personajes, en los soldados que viven día a día esa situación y en cómo les afecta y a algunos les cambia radicalmente. Desde luego eso lo hace perfectamente.

Cartel oficial de la 82 edición de los premios Oscars

2010-02-10T14:30:00.003Z

Cartel oficial de la 82 edición de los premios Oscars, que será presentado por Alec Baldwin y Steve Martin.

La gala será que se celebrará en el Teatro Kodak de Los Angeles el próximo 7 de marzo del 2010...

Avatar

2010-02-08T21:41:00.002Z

Hay algo de lo que Avatar no puede presumir: su originalidad. La película es el ejemplo perfecto de la filosofía cinematográfica estadounidense: una cinta exageradamente cara que está destinada a ser un auténtico blockbuster durante años y que ha enfocado todo su esfuerzo en el apartado visual, para que el espectador se deje asombrar fácilmente sin buscar nada más allá.

Por supuesto que encontramos escenas en Avatar que nos dejarán con la boca abierta, vertiginosos picados y enormes planos generales que asombrarán al más escéptico. James Cameron tiene muy claro lo que quiere mostrar en pantalla, y ese es quizá el punto débil de la película. Sólo está interesado en sorprender al espectador con el ilusionismo digital que sólo puede conseguir un ordenador: el guión, y por lo tanto la historia, son una simple excusa para mostrarnos todos esos animales y los seres azules de tres metros. Así se suceden las espectaculares escenas pero sin ningún sentido apararente, simplemente para demostrar hasta dónde ha podido llegar Cameron con sus efectos especiales. Es verdad que actualmente no podemos compararlo con nada, no existe ninguna película que pueda presumir de esos efectos visuales, pero tampoco existe ninguna que alardeé de haber tenido ese presupuesto y lo haya desaprovechado en realizar escenas vacías.

Es realmente decepcionante encontrarnos con un director que, con la libertad tan grande con la que ha trabajado en esta película, no haya querido ir más allá y darla un sentido filosófico o incluso con unos personajes un poco más trabajados, especialmente viniendo del mismo realizador de Terminator 2. La historia se podría resumir en una revisión de Pocahontas, sólo que en vez de llegar a América, se desarrolla en otro planeta: Pandora. Las tropas estadounidenses llegan allí para "pedir amablemente" a sus habitantes que se vayan y así poder explotar los yacimientos de un metal carísimo. Además, la mayor concentración de dicho metal se encuentra, casualmente, bajo el árbol madre que adoran los enormes seres azules y que, lógicamente, no lo quieren abandonar. Así se produce el inevitable conflicto que se preveía desde el principio de la película pero que se va retrasando por los intentos de negociación de los estadounidenses. ¿Acaso alguien esperaba que funcionasen? Si hubiera sido así, Cameron se habría quedado sin sus mejores escenas de acción y la película habría tenido menos sentido aún. Todo es tan previsible que no deja lugar a la sorpresa y el espectador tiene contínuamente la sensación de que eso ya lo ha visto: ya hemos visto millones de veces esas películas donde el protagonista cree que está con los buenos pero cuando conoce a los malos se pone de su parte. Temas como los prejuicios, la toma de territorios que no son suyos por parte de los que en principio son los buenos o la ecología se han tratado hasta la saciedad en el cine norteamericano. Lo peor de todo es que Cameron los utiliza de una manera tan estereotipada que no despierta ninguna inquietud en el espectador.

Paranormal Activity

2010-02-05T13:06:00.002Z

Podríamos considerar que la primera película de terror de la Historia, si agrupamos en ese género las películas que sean capaces de transmitir angustia o miedo al espectador, sería también la primera proyección de la Historia: La Llegada del Tren por los Hermanos Lumière de 1896. Y la enmarcamos dentro de este género porque los espectadores huían despavoridos ante la visualización de un tren que se dirigía directamente hacia la platea. Sin proponérselo, los pioneros del séptimo arte habían descubierto la manera de que el espectador se viese afectado por las imágenes que se proyectaban en la pantalla, aunque las primeras sensaciones no fuesen demasiado placenteras.

Más de 100 años después de esa experiencia nos encontramos con la ópera prima de Oren Peli, una suerte de Proyecto de la Bruja de Blair pero muchísimo menos original, y no lo digo porque la cinta de 1999 lo fuese: Peli no cuenta la historia de una pareja que tiene un ¿fantasma?¿demonio?¿ente? viviendo en su casa. Por la noche ocurren fenómenos extraños que no les dejan vivir por lo que deciden comprar una cámara y grabar todo lo que ocurre en su habitación mientras duermen. Y eso es todo, porque el resto de escenas que se suceden no son más que discusiones entre los cónyuges y una entrevista con un exorcista que resulta ser de lo más inútil.

Puesto que la película de por si no puede transmitir el miedo que pretende dar, parece que todos los esfuerzos se han enfocado en intentar mostrarnos la historia como si fuese algo real, algo que una pareja grabó y vivió realmente. Incluso los actores se llaman igual que los personajes. Pero eso es algo de lo que el público actual ha escarmentado bastante: los espectadores, al igual que el propio cine, han evolucionado y no van a vivir de la misma manera una película de los años 20 que una actual, como tampoco nos podemos asustar a día de hoy de que un tranvía se dirija hacia la pantalla.

Atasco en el 3D

2010-02-03T12:49:00.005Z

Cada día oímos hablar de que otra película tiene previsto ser lanzada en formato 3D. Pues ahora resulta de que todas estas películas están creando un atasco de películas en 3D en las salas de cine.

Los exhibidores habían firmado un acuerdo en el que "Avatar" estaría en proyección en las pantallas 3D hasta el 5 de marzo, que es cuando la película de Disney "Alicia en el pais de las maravillas" le tomaría el relevo. Pero como "Avatar" se sigue vendiendo en la mayoría de los pases, los cines no están seguro de que quieran deshacerse de una película tan taquillera, por lo que aparece una nueva perspectiva incierta.

En España, Buena Vista ha hecho público que retrasa el estreno de "Alicia en el Pais de las maravillas" al 16 de abril, dos semanas antes que "Iron Man 2" (Paramount) y tres semanas más tarde que "Furia de Titanes" (Warner Bros), que tendrá sus problemas con la nueva película de animación "Como entrenar a tu dragón" (Paramount), que se supone que se estrena en la misma fecha. Y "Scar 3d", que la distribuidora DeAplaneta tenía planeada su estreno para este fín de semana, lo ha retrasado hasta el 31 de marzo de este mismo año. Otra película que se estrenaba en breve, 12 de febrero, era "Viaje a África 3d" (Filmax) y han atrasado su estreno para el mes abril, cosa que veo difícil.

Lo que es peor es que esta situación de saturación de películas en 3D es probable que aumente, ya que cerca de sesenta películas en 3D se estrenarán en los próximos tres años.

El problema es que algunas salas no tienen pantallas 3D y las que tienen, sólo tienen una o dos salas equipadas con la nueva tecnología. En España, se rumorea que Cinesa va a ampliar con otra sala más en 3d a sus cines, y en USA, el plan ahora es añadir unos 5.100 pantallas 3D para finales de 2010, pero incluso eso no sería suficiente para manejar todas las películas en 3D.

via WorstPreviews.

La dama y la muerte. Corto español nominado al Oscar

2010-02-03T01:17:00.002Z

Kandor Graphics Ha conseguido la nominación al Oscaral mejor corto de animación con 'La dama y la muerte'. Muestra del enorme talento que se mueve en la productora granadina y que, con esta nominación y la preselección de 'El Lince Perdido', ya ha logrado un triunfo muy meritorio.

La dama y la muerte